Passion Pit o cómo sacar partido de San Valentín

Aquí vengo con mi apuesta musical de turno y, posiblemente, del año: Passion Pit. Un tipo de Massachusetts llamado Michael Angelakos decidió que lo de los bombones estaba muy visto y, como lo de grabar cassettes ya no se estila, le regaló un CD a su novia con un puñadete de baladas 'disco' de creación propia. La voz se corrió, a los amigos les moló y ahí les tienes, 5 canciones mal apañadas y un 8 en Pitchfork Media.


Lo primero que escuché fue I've got your number que, al primer golpe, parece una nueva entrega de este movimiento italo disco que está pegando fuerte en el 'underground' anglosajón, pero con un toque menos nocturno y más de domingo por la mañana en el 'after-hours'. Luego llegó Sleepyhead, extrañísimo tema que suena a 'do-it-yourself' y que mezcla ese rollo vocal de Alvin y las ardillas con un 'beat' contagiosísimo. Y ahora acaban de editar el EP Chunk of change que así, en un rollo a lo Crystal Castles, sirve de carnaza a la espera de que el año que viene o el siguiente editen el largo.


Se editará mogollón de mierda, pero qué gran amigo de la música fue ese hombre que inventó el ProTools y le dio a todos estos zumbados con ideas la posibilidad de grabar en casa. Bueno, al tema, el único vídeo oficial que han sacado:

Sleepyhead
(Passion Pit)


Y para descargar os dejo I've got your number:

Passion Pit - I've got your number

Italians Do It Better: El retorno del Italo Disco

¿Recordáis eso que se bailaba a mediados de los 80 y que plagaba las bandas sonoras de películas como Scarface, Cazafantasmas e, incluso, Blade runner? El mundo se llenó de gente que hacía cosas extrañas con sintentizadores, cacharros de 8 pistas y que, en gran parte, tenían apellidos europeos. El gran 'pope' de esta movida fue Giorgio Moroder que ya por los 70 tonteaba con maquinitas y que se convirtió en el rey de las producciones ochenteras para gente como Cher, Donna Summer, Blondie, David Bowie o Bonnie Tyler, sin contar que fue el responsable de las bandas sonoras de Top Gun, Flashdance, la ya citada Scarface o El expreso de medianoche con la que ganó su primer Oscar (los otros dos serían como autor de What a feeling y Take my breath away para Flashdance y Top Gun, respectivamente). Pero después de que Michael Jackson la liara con Thriller se jodió el invento y el 'disco' empezó a decaer para dejarle paso a lo que ahora todo el mundo conoce como pop... Hasta ahora.


De unos años para acá, en el 'underground' mas ignoto de las grandes ciudades americanas estaba apareciendo una nueva tendencia en la música electrónica que, en lugar de beber de las fuentes del 'house' y el 'drum'n'bass' como hacen el 'electro' o el 'dubstep', decidió recuperar la vena petarda-elegante del italo disco. Así, en 2006, la discográfica Troubleman Unlimited, productora de artistas como Devendra Banhart o Camera Obscura, creó el sello Italians Do It Better para darle salida a todo lo que se movía en la escena de Nueva York en forma de su serie de culto Killer Kuts. En estas grabaciones de serie limitada empezaron a sonar nombres como los de Chromatics, Glass Candy, Farah o Mirage. En la misma época apareció también Disco romance el debut de Sally Shapiro, una chica sueca de la que aún a día de hoy se desconoce casi todo (incluido su nombre real) ya que nunca ha actuado en directo o concedido una entrevista en tiempo real, y que incluía el bombazo I'll be by your side que le valió un 8,5 de la revista electrónica Pitchfork Media. Y llegó el año 2007, momento cumbre del italo disco con la publicación del recopilatorio After dark, magna opus de Italians Do It Better y uno de los discos que cualquier persona interesada en la música debería tener. Desde entonces están saliendo LPs y EPs como setas encabezados por los grandísimos trabajos de Chromatics y Glass Candy y parece que el tema sigue adelante. Ya veremos si algún grupo misterioso de estos pega el petardazo como los Crystal Castles y se convierten en lo más 'cool' de la música de aquí a un tiempo. Mientras, una selección de lo mejor:

In the city
(Chromatics) (Me encanta este vídeo)


I'll be by your side
(Sally Shapiro)


Running up that hill
(Chromatics)


Miss Broadway [live]
(Glass Candy)


Dancing girls [live]
(Farah)


Night drive [live]
(Chromatics)

Alice Glass, cantante de los Crystal Castles, elegida artista más 'cool' del año 2008

Vuelvo de mi retiro autoimpuesto porque si no lo ponía reventaba.

Alice Glass, cantante de los Crystal Castles, ha sido elegida por la revista NME para encabezar su reverenciada lista de lo más 'cool' del año. En pasadas ediciones la lista estuvo liderada por personajes como Pete Doherty, Jack White o Beth Ditto, la cantante de The Gossip, que se convirtió en un auténtico referente pop después de aquello. A ver si el año que viene M.I.A. tiene suerte y pega el petardazo también.


La entrevista que le han hecho a Alice, muy en su línea cripto-zombie, va tal que así:

NME: Alice, ¿cómo sienta ser nombrada la artista más 'cool' del planeta Tierra en 2008?

Alice: Me siento halagada, pero en el colegio la gente que se tenía a sí misma en la misma consideración era el mayor desperdicio de carne que haya podido conocer.

N: ¿Por qué crees que has recibido tantos votos?

A: Mi pacto con Satán no ha expirado todavía.

N: ¿Cuál es la cosa más 'cool' que posees?

A: Esclavos.

N: ¿Quién es tu icono 'cool'?

A: Necesitamos nuevos idiomas. Necesitamos dejar de hablar como beatniks.

N: ¿Lo 'cool' realmente importa?

A: Nada importa. Sólo somos polvo.


Y, para complementar un poco, me traigo la actuación de los Crystal Castles en el festival de Glastonbury, pieza indispensable en la repercusión que el grupo está teniendo estos días. El final no se ve, obviamente, pero tuvo que ser cortada por la organización por el desmadre que se montó con Alice saltando sobre el público y los guardias de seguridad tratando de sujetarla (eso sí se ve :-P ). Atención también al futuro bombazo que puede ser el todavía inédito Baptism:





Ahora ya puedo decir de manera totalmente oficial que tuve la ocasión de conocer a la artista más 'cool' del planeta.

Crystal Castles sacan por fin LP

Retorno de mi exilio estudiantil auto-impuesto porque ayer me llegó como último podcast de la KEXP el nuevo 'single' de Crystal Castles, Vanished. Me dio por curiosear a ver qué andaban haciendo y resulta que después de 3 años llenando la blogosfera de singles, EPs y remixes por fin se han decidido a sacar un largo en Last Gang Records, la productora de Chromeo, Tiga o The New Pornographers entre otros.


Todavía estoy por escuchar el disco entero, pero os cuelgo el link de lo que dice Pitchfork Media al respecto (les cascan un 8, que no está mal para el disco de debut de un combo tan ajeno a las convenciones como los Crystal Castles). Por si fuera poco ya empiezan a salir en las portadas de las revistas importantes:


Por decir algo, como epílogo a las 15 canciones de '8-bit' rabioso que componen el disco, tienen uno de los temas más bonitos que ha dado el 'shoegazing', no sólo recientemente -que tampoco sería mucho decir, porque ya casi no se estila-, sino en toda la historia del género: Tell me what to swallow. Ahí os subo un puñadillo de temas.

Descargas:

Crystal Castles - Untitled Unfinished

Crystal Castles - Vanished

Crystal Castles - Courtship Dating

Crystal Castles - Black Panther

Crystal Castles - Tell Me What To Swallow

The young folks: Peter Bjorn and John

Y ya puestos, pues seguimos con un grupo que, sin que el grueso de la población de este país sea consciente, se está convirtiendo en un pelotazo: Peter Bjorn and John. No sólo son los responsables del último cuál-es-la-canción-que-suena-en-ese-anuncio con los silbiditos que acompañan la promo de la nueva serie de Cuatro, Cuestión de sexo, sino que suya fue una de las actuaciones estrella en el festival de Benicàssim, culminando precisamente cuando la cantante de Camera Obscura, TracyAnne Campbell, salió al escenario para acompañarles en la canción de marras.

Peter Bjorn and John se encuadrarían dentro de esa nueva oleada de melodistas procedentes del norte de Europa (e incluyo Escocia) que andan copando los carteles de festivales de medio mundo de un par de años para acá. A pesar de que su éxito sea reciente, el grupo se creó ya hace casi 10 años cuando a los amigos de la infancia Peter Morén y Björn Yttling -que ya habían colaborado en un grupo de 'shoegazing' al estilo de Ride- se unió John Eriksson. Su primera gira fue algo tan descacharrante que sólo se le podría haber ocurrido a tres suecos: ir haciendo bolos por el país a bordo de un barco. Obviamente el tema fue un desastre y aunque sus dos primeros discos recibieron buenas críticas en medios especializados como All Music Guide (Peter Bjorn and John y Falling Out), no fue hasta la publicación de su tercer álbum, Writer's Block que saltó la liebre. Y el principal responsable fue el single que da nombre a esta entrada, Young folks, un dúo con la ex-cantante de los Concretes Victoria Bergsman. Sus silbidos y su melodía pegadiza hicieron que muy pronto alcanzase distribución por los medios habituales de YouTube y MySpace y en EE.UU. comenzase a sonar en emisoras independientes y en un buen puñado de anuncios y series de televisión (sí, pertenece a la cantera 'all-star' de Anatomía de Grey). Este hecho hizo que los medios importantes comenzaran a fijarse y tanto Pitchfork Media como la NME la incluyeron en sus listas de lo mejor del año. Otro apoyo fundamental fue la maravilla de vídeo que Ted Malmros y Graham Samuels les hicieron para la canción, basado en las mismas técnicas rotoscópicas que utiliza Richard Linklater en sus películas. Tanto es así que están nominados como mejor artista revelación en los MTV Video Music Awards, lo que ha favorecido que, entre los muchos versionadores del tema, esté Kanye West, que desde que Justice le ganaran el premio al mejor vídeo en la versión europea de la gala anda arrimándose a las sombras que mejor cobijan.

Pero no sólo de pan vive el hombre ni de un single estos suecos. Writer's block cuenta con otros temazos como Let's call it off Objects of my affection o Up against the wall que, aunque probablemente no den tanta caña como Young folks, seguro que mueven ficha. A día de hoy, como ya he comentado, Peter Bjorn and John andan de gira por los festivales de estos mundos de dios y a la vuelta les esperan diversos proyectos. Peter prepara un disco en solitario, Bjorn anda produciendo a gente como Shout Out Louds o Taken by Trees mientras que John, protagonista de Young folks por sus bongos, colabora como percusionista con diversas bandas suecas.

Y, ahora, vamos a silbar:

Young Folks
(Peter Bjorn & John)


Let's Call It Off
(Peter Bjorn & John)


Up Against The Wall
(Peter Bjorn & John)


Objects Of My Affection
(Peter Bjorn & John)

Mundo MySpace: (We Are) Performance

Ante la oleada de mails y mensajes preguntando por el descanso (de hecho 5, pero qué más, si esto no tiene ni 2 meses; por cierto, perros, ya podíais escribir algún comentario :-P ) retorno brevemente para hablar del que probablemente es uno de mis descubrimientos favoritos en lo que es mi reciente experiencia MySpace (por si hace una visitilla mi web es, lógicamente, http://www.myspace.com/andunemir): (We Are) Performance.


(We Are) Performance son un grupo de 4, 2 chicos y 2 chicas, que se formó hace apenas 3 años en Manchester. Joe Cross y Joe Stretch, dos amigos de la infancia, llegaron a la ciudad dispuestos a hacer cosas trascendentes y, al final, acabaron hablando del poder de la música. Mientras, las gemelas Laura y Hilary Marsden, multiinstrumentistas vocacionales, andaban por allí organizando fiestas y promocionando artistas en una ciudad de tradición musical como pocas. Como es lógico, tuvieron que coincidir y de ahí surgió (We Are) Performance. (We Are) Performance y muchas otras cosas. Entre borracheras, farras sexuales y no sexuales y otras cosas del nuevo "Madchester", Joe Stretch ha escrito una novela que está para publicarse, Joe Cross remezcla todo lo que se mueve en la escena y las gemelas Marsden escriben un 'fanzine' llamado Too Much Information.

Pero vamos a lo que vamos. ¿Cómo suenan (We Are) Performance? Entre sus influencias citan desde Leonard Cohen a Anais Nin, pero hay dos referencias que a la primera escucha vienen enseguida a la cabeza: del panorama reciente los Cribs y del clásico, sus vecinos los New Order. De los primeros sacan la desfachatez juvenil de una música desenfadada e irreverente, mientras que de sus padrinos musicales heredan, cómo no, los sintetizadores, el color negro y, como ellos mismos dicen, la capacidad de hacer bailar al personal con letras que hablan de sentirse como una mierda. De hecho y hablando de sentirse como una mierda le han servido de acompañamiento al gran Gary Numan en su retorno/gira triunfal para presentar su última álbum, Jagged.

Cosas grabadas por ahora sólo tienen 3 singles -dos de los cuales descatalogados- y 1 EP que se pueden conseguir desde su página oficial. Su debut en LP saldrá a la calle en breve aunque ya se puede conseguir desde la página de Trinity Street Direct donde también es posible descargarse de forma gratuita el tema Lost Youth.

Y llegó el momento de bailar un poco:

Surrender
((We Are) Performance)


Live A Little
((We Are) Performance)


The Last Untrue Action
((We Are) Performance)


Short Sharp Shock
((We Are) Performance)


Love Life
((We Are) Performance)


Descargas directas (los archivos que he encontrado son los mismos que publicaran en Turn That Shit Off!!! y tienen el problema que tanto Dotted line como Surrender están cogidos de una sesión de grabación y lo que son las canciones propiamente dichas no empiezan hasta el minuto 2:33 de sus respectivos archivos):

(We Are) Performance - Surrender

(We Are) Performance - Live A Little

(We Are) Performance - Dotted Line

(We Are) Performance - Market Street

Matt and Kim, Crystal Castles & The Teenagers @ Barfly, Camden, Londres (10/08/07)

A veces la potra es la potra y sus designios son incuestionables. Como me iba a Londres una semana de agosto, antes de decidirme por cuál le eché un ojo al "what's on" de la Time Out para ver cómo estaba el percal de planes y, para mi sorpresa, vi que el sábado 11 pinchaba el gran 'pope' de la electrónica Andrew Weatherall en la Fabric y que el viernes 10 actuaban en un garito de Camden los Teenagers y los Crystal Castles. Así que, qué mejores excusas aleatorias para elegir una semana.

Para la Fabric había anticipadas pero para el concierto ná' de ná', sólo en puerta. Así que ahí me tenéis, en el culo de Londres y haciendo cola esperando que quedasen entradas, aunque la pinta era buena porque el resto del mundo no es tan ansiado como yo y una hora antes había un número bastante limitado de gente. Así que, después de estar esperando ahí un buen rato y de que me cargaran de 'flyers', para allá que nos metimos por unas miserables 7 libras.


Para mi sorpresa resulta que había añadido en el cartel y en el escenario se presentaron esos 'shows' ambulantes que son Matt and Kim, un dúo por el que solamente ya habría pagado esas 7 libras. Estuvieron unos 45 minutos (no está mal, teniendo en cuenta que el concierto ni aparecía en su página y que faltaban 2 grupos y un DJ) y, la verdad, es que su actuación fue potentísima, sobre todo cuando tocaron Yea Yeah que casi se viene eso abajo, y muy divertida, haciendo bromas y contando anécdotas todo el rato. Bastante alucinante. [Tengo vídeos de todo, pero todavía no los he subido a YouTube y el sonido con las interferencias de los bajos es bastante de aquella manera, así que a falta de que alguien suba algo mejor os dejo los vídeos oficiales]:

Yea Yeah
(Matt and Kim)


Después de casi desmontar el local, cepillarse un par de baquetas y demás le dejaron el sitio a los Crystal Castles que eran el motivo de que, al final, se reuniese tantísima peña allí (de hecho yo acabé refugiado entre un grupo de japonesas para no morir entre el tumulto de los 'hooligans'). Ya he hablado 500 veces de los Crystal Castles y, de hecho, ahí abajo tenéis lo último, así que digo poco más porque todo lo que diga se quedaría corto. Alice es un monstruo en el escenario y yo diría que en nigún vídeo en directo de los que rondan por YouTube la he visto tan desatada como ese viernes (es más, se acabó lanzando al público y dando saltos por ahí). Entre lo más gordo de sus temas propios y remezclas se tiraron un buen rato, que ya es algo increíble si uno tiene en cuenta que ni siquiera tienen algo parecido a un LP y luego se escaparon dejando eso lleno de cacharritos electrónicos.

Atlantis To Interzone (Crystal Castles Live Remix)
(Klaxons)



Por último aparecieron los Teenagers, que me gustaban pero a los que conocía básicamente por cuatro canciones que escuché un par de días antes de volar para allá. No son tan potentes como los otros dos grupos, pero tienen un directo genial, sobre todo por el carisma del cantante, por unas melodías trabajadísimas y por las letras bastante desenfadadas y políticamente incorrectas de temas como Fuck Nicole, Starlett Johansson (!) y Homecoming. Además, el rollo de sus temas los hacía geniales para ser los que cerrasen el concierto y dejaran paso a los DJs y le dieron muy buen rollo a la gente.

Homecoming
(The Teenagers)


Y ya el despiporre general llegó cuando acabaron y se metieron en el cuartillo que hacía las funciones de camerino (un cuchitril de 2x2 lleno de 'graffitis'). Como allí entraba y salía todo el mundo, pues para allá que me metí y estuvimos haciendo el moñas. Me saqué una camiseta de los Crystal Castles y con la inestimable ayuda del cantante de los Teenagers, unas cuantas fotos.

Con Alice:


Aquí haciendo el payaso con los Crystal Castles al completo (bueno, faltaba el colega de la batería que andaba cargando trastos):


El de los "ruiditos" de los Crystal Castles con una 'grouppie':


Y 2/3 de los Teenagers:



Sin duda uno de los mejores conciertos a los que he podido asistir.

El terror de los 8-bit: Crystal Castles

En la estela de lo que la revista New Musical Express definió como "New Rave" nos llega ahora el dúo canadiense Crystal Castles. Ni siquiera los 'popes' del movimiento, los fluorados Klaxons, han generado tantos ríos de tinta con tan poco como estos psicotrónicos devotos del sonido de los Atari.


Como decían en la revista Plan B su sonido se parece bastante al que provendría de una habitación 'teenager' allá por el 86 mientras el chavalín residente se cagaba en el villano de turno de su Spectrum. Dicen llamarse Crystal Castles por la fortaleza homóloga del castillo de Grayskull en la versión femenina de He-Man, She-Ra, pero la referencia al videojuego de Atari, heredero del Pac-Man, es más que oportuna. Las bases las ofrece un chip de un Atari 5200 que al colgado del productor 'de facto' del grupo se le ocurrió meter en un sintetizador y hacerlo funcionar, mientras que el resto de distorsiones las genera un micro que se encontró en la basura. Oficialmente no pretendían ni ser grupo y el primer tema que vio la luz llamado Alice practice -que a su vez daría nombre al primer EP- era exactamente eso, una prueba de micro de la que sería líder del grupo, Alice, intentando que todos esos artilugios hiciesen algo parecido a funcionar. Esa grabación circuló, como es regla general estos días, a través de una página de MySpace que abrió su compañero Kieron Gillen sin conocimiento de la protagonista que, repentinamente, se vio acosada por las llamadas de compañías dispuestas a producirles. Y ahí comenzó todo. Desde ese momento, sus temas se difundieron por una ingente cantidad de blogs y el salto a la fama les llegaría cuando comenzaron a aplicar su estilo a las remezclas. El remix de Leni de GoodBooks mereció una reseña en PitchforkMedia y también se han atrevido a "tocar" el bombazo de Lovers who uncover de los Little Ones, el Hunting for witches de Bloc Party o el Pop the glock de la reina del 'electro', Uffie. Pero fue atreverse a remezclar el Atlantis To Interzone de los mismos Klaxons lo que les acabó poniendo en el mapa. Aquí tenéis el trallazo anfetamínico de su versión en directo:



Según las más que crípticas entrevistas que han concedido (véase la que les hicieron en BiBaBiDi), como son un grupo que jamás se ha creado como tal es imposible que se acaben y, básicamente, componen lo que les sale. Cogen sus trastos, les añaden voces y si suena a algo parecido a música que haga saltar y bailar ahí que va -algo así como lo de los monos y las máquinas de escribir-. Quitan importancia a lo que hacen y, mientras, se calzan unas borracheras allá por donde van, desde sus grabaciones para la venerable BBC hasta su aparición en la escena de Brighton. Han acompañado de gira a los australianos Presets, a los brasileños CSS, a paradigmas del 'electro' como Datarock o Simian Mobile Disco y hasta fueron parte de la meca del 'indie' americano en competencia con Coachella, el South By Southwest Festival aunque no actuaron en el escenario que les correspondía sino en un bar en el que se apalancaron. Por si fuera poco, este otoño se prepara un macroencuentro de la electrónica en Brixton que les reunirá por fin con los Klaxons y con los franceses Justice. Y todo sin sacar un LP ni ser grupo.

Air War
(Crystal Castles)


Alice Practice (Video Version)
(Crystal Castles)


Love & Caring
(Crystal Castles)


Xxzxczx Me
(Crystal Castles)


Hunting For Witches (Crystal Castles Remix)
(Bloc Party)


Crimewave
(Crystal Castles Vs. HEALTH)


Descargas:

Crystal Castles - Knights

GoodBooks vs. Crystal Castles - Leni

Klaxons - Atlantis To Interzone (Crystal Castles Remix)

Uffie - Make It Hott (Pop The Glock's Crystal Castles Remix)

P.D.: Mis agradecimientos a los innumerables foros y páginas que han dispuesto tantísimo material.

Quiet & Still: la música de Magnet

Para quitar un poco el mal sabor de boca y que esto no parezca una sección de necrológicas me traigo a un cantante al que ya hace tiempo que descubrí: Magnet.


De nombre real Even Johansen nació ya hace unos añitos en Noruega. Desde peque siempre estuvo rodeado de músicos y mientras que su padre era un músico itinerante de jazz sus hermanos andaban metidos todos ellos en bandas -su primer instrumento fue una guitarra con sólo cuatro cuerdas que todavía conserva-. Cuando creció se trasladó a la ciudad escocesa de Lockerbie y allí formó parte de dos grupos, Chocolate Overdose y Libido. Precisamente cuando estuvo en Libido, Johansen escribió una serie de canciones que no entraban dentro del estilo del grupo, mucho más contundente, y que decidió sacar bajo su nombre y, más tarde, ya bajo el seudónimo de Magnet. Así nació Quiet & still, un disco que se grabó en su propia granja de Lockerbie y que mezclaba el sonido del pop independiente con el clásico sonido 'folk' británico como en canciones como Where happiness lives.

Casi tres años más tarde editó el que es su mejor trabajo hasta la fecha, un discazo llamado On your side en el que le da una vuelta de tuerca más a su propuesta y aumenta la complejidad de sus producciones dándoles, irónicamente, un aspecto mucho más sutil y de un épico romanticismo. Como curiosidad cabe destacar que incluye una versión del Lay lady lay de Dylan cantada a dúo con Gemma Hayes.

The Day We Left Town
(Magnet)


Nothing Hurts Now
(Magnet)


En el 2005 sacó The tourniquet, llamado así por un cóctel que probó en el aeropuerto de Singapur en el que hizo escala cuando volvía de grabar en Los Angeles. Bastante más irregular que On your side cuenta, sin embargo, con Hold on, de largo uno de sus mejores temas.

Hold On
(Magnet)


Algún 'friki' es posible que conozca a Magnet porque el año pasado fue el responsable de componer la banda sonora del juego de aventura Dreamfall: The longest journey que editó Funcom para la Xbox y para PC. Tiene un rollo etéreo bastante clásico de este tipo de juegos y lo más destacable, aparte de alguna incorporación de discos anteriores, son las colaboraciones de otros artistas noruegos como la aprendiz de Björk Ingvild Hasund.

En Noruega acaba de sacar su último disco, The simple life que parece que ha tenido una gran acogida por allí, pero que todavía no tiene fecha de lanzamiento prevista para el resto del mundo. Veremos qué nos trae y, mientras, habrá que esperar a que se acerque y nos regale algún directo.

Descargas:

Magnet - Last Day Of Summer

Magnet - Where Happiness Lives

Ingvild Hasund - Rush

Thunder, Lightning, Strike: The Go! Team

¿Qué obtendríamos si mezclásemos música electrónica, los Jacksons 5, un coro de animadoras y una selección de las sintonías más casposas de la tele? La respuesta es The Go! Team. Este grupo de Brighton es responsable de crear una de las revoluciones sónicas más importantes del panorama independiente gracias a un primer disco que lanzaron al mercado ya hace unos años: Thunder, Lightning, Strike.



Ian Parton, líder de este tinglado y fan acérrimo de Sonic Youth (cuenta con una versión bastante notable del Bull in the heather), decidió un día crear un proyecto en el que pudiese mezclar las guitarras del grupo de Lee Ranaldo y Thurston Moore con sus peculiares aficiones: las canciones de comba y las bandas sonoras de las persecuciones de la tele. Así nació The Go! Team como heredero del 'big beat' británico y de inmediato reunió a un grupo de gente con sus mismas "inquietudes" con los que grabó Thunder, Lightning, Strike en la cocina de la casa de sus padres en Gales. De ese disco salieron 'singles'con la fuerza de Huddle formation, Junior kickstart o The power is on, sin duda de lo más contundente del album.

Huddle Formation
(The Go! Team)


Junior Kickstart
(The Go! Team)


The Power Is On (Live)
(The Go! Team)


De su gira por Australia todavía saldría un último 'hit' en la línea de los contenidos en el LP llamado We just won't be defeated y, desde entonces, han estado trabajando en el que será su próximo disco y continuador del espíritu de este, Proof of Youth, que saldrá para septiembre. Mientras, siguen de gira con sus viejos y futuros temas ya clásicos y el Festival de Benicàssim será una de sus paradas. Tengo la sensación de que este año en el FIB va a ser la 'serie B' la que eclipse a los cabezas de cartel.

We Just Won't Be Defeated (Live)
(The Go! Team)


Grip Like A Vice
(The Go! Team)


Descargas:

The Go! Team - The Power Is On

The Go! Team - Huddle Formation

The Go! Team - Junior Kickstart

Je veux te voir... Yelle

Ya hablábamos el otro día de la reina del nuevo panorama ‘electro’ y qué mejor para darle un poco de color fetichista a esto que sumarle una aspirante. Se llama Yelle y esta sí que es francesa de pura cepa.


Su nombre real es Julie Budet y, como su contemporánea de Miami, es igual de rompepelotas. Sus comienzos, cómo no, están en una página de MySpace. En ella y como respuesta al machismo declarado que hacían el grupo de hip-hop TTC en su tema Girlfriend colgó una canción que se llamó originalmente Short Dick Cuizi (para el que no tenga mucha práctica con la jerga anglosajona traduzcámoslo como "Cuizi picha-corta"). Su letra va dedicada a Cuizinier, el líder de la banda y, aunque mi francés es casi nulo, la letra es lo suficientemente incendiaria y explícita como para que se entienda. La propia Yelle afirma que no pretendía hacer una declaración feminista sino reírse un poco de los chavales de los que tampoco se salvan ni el DJ, llamado Orgasmic para facilitarle la ironía, ni Teki Latex (conocido en estos mundos internautas por su colaboración con la cantante Lio en Les matins de Paris) al que se refiere como "el primo". Como la definían en BigStereo tiene la pinta del Galang de M.I.A. sólo que con menos militancia y más corazones. Este es el vídeo, una saturación de flúor con 'karaoke' que recuerda a los mejores tiempos del 'acid house'. Atención a 25 segundos del final porque carga toda la brigada ligera: de nuevo la prueba irrefutable de la calidad de unas bases bailables y de los DJs que se encuentran detrás de las producciones que, en este caso, al igual que Uffie es su novio, el DJ GrandMarnier, el responsable.

Después de este pequeño éxito y de renombrar el tema bajo el más políticamente correcto Je veux te voir ha sacado varios singles al mercado de los que cabría destacar, sobre todo, A cause des garçons y Ce jeu que no faltan en toda buena sesión de 'electro'. El album con todo este percal se espera que esté en la calle para septiembre. Mientras, ahí queda eso:

Yelle - A cause de garçons [Sta Remix]

Yelle - Ce Jeu

New Weird America

Como últimamente me pasa eso tan habitual en mí de verme perseguido por referentes me voy a hacer eco de un movimiento musical que lleva ya un tiempo zumbando por ahí.


En agosto de 2003 la revista británica "Wire" con motivo del recién creado por aquellas fechas Brattleboro Free Folk Festival tituló su historia de portada con el nombre de este tema,"New Weird America", como única manera de definir a un grupo de 'freaks' que se dieron en reunir en aquel lugar perdido de Vermont para revisionar las bases del 'folk'. Pero, si hay una "New Weird America" será porque hubo una "Old Weird America". Pues sí, la hubo. El concepto de "Old Weird America" lo acuñó el crítico musical Greil Marcus con motivo de la aparición por entonces casi clandestina todavía de las Basement tapes de Bob Dylan. En aquellas cintas, a la sazón grabadas en el sótano de la casa que compartía con los miembros de The Band, recuperaba el estilo del 'blues' y el 'folk' de los años anteriores a la II Guerra Mundial. La piedra angular de ese 'revival' fue un conjunto de canciones de tipos como los que Wim Wenders reivindica en su The Soul Of A Man que un 'beatnik' zumbado llamado Harry Smith había recopilado bajo el título Anthology of American Folk Music allá por los 50. Pero no fue hasta que un personaje rompedor de etiquetas como Dylan lo recuperó que repuntase el interés por aquellos temas. Hacía renacer así esas historias del Oeste Americano casi medievales de vendedores de aceite de serpiente, vagabundos de trenes, músicos ambulantes y demás 'freaks' clásicos americanos. Y es aquí donde la "New Weird America" empalma con la vieja, en la recuperación de una tradición musical y narrativa cuyos protagonistas, tanto en lo lírico como en lo real, son básicamente tipos raros y excéntricos, motivo por el cual no es raro verla referida también como 'freak folk'.

¿Y quiénes conforman este variopinto grupo de personajes? Pues básicamente para definirlo podríamos acudir a un disco recopilatorio -todo buen movimiento ha de tener una compilación generacional-, ahuspiciado por el gran padrino y líder espiritual del movimiento, Devendra Banhart y financiado por la revista de tendencias "Arthur Magazine": The Golden Apples of the Sun. Allí se reúnen aparte del propio Banhart nombres como el promotor del Brattleboro Free Folk Festival Matt Valentine; Six Organs Of Admittance, uno de los veteranos que estuvo por allí; Vetiver, colaborador y productor habitual de muchos de los nombres que se agrupan bajo esta etiqueta; Iron & Wine, a los que conoceréis los que hayáis visto Garden State porque participan en su banda sonora haciendo una versión 'folk' del Such great heights de The Postal Service y los que son sin duda los grandes nombres del movimiento: Joanna Newsom, CocoRosie y Antony And The Johnsons.

A Ribbon
(Devendra Banhart)


Naked As We Came
(Iron & Wine)


De Antony Hegarty y sus Johnsons ya se ha dicho de todo con motivo de su enorme disco ganador del premio Mercury I am a bird now así que creo que no hay demasiado que decir. Si queréis acercaros a él su web es un chollo con decenas de archivos en descarga directa: http://www.antonyandthejohnsons.com/. Así que centrémonos en los otros dos nombres.


CocoRosie son un dúo formado por Sierra y Bianca Casady, dos hermanas de azarosa vida, que después de una década separadas se reencontraron en un apartamento de Montmartre y decidieron formar un grupo. Su estilo sólo se podría definir precisamente como 'weird' porque mientras Sierra es una virtuosa multi-instrumentista que llegó a cantar ópera en París, Bianca la acompaña con su peculiar voz trémula y "tocando" juguetes infantiles de sonidos pregrabados. A todo ello, como se pudo comprobar en sus actuaciones en España, le suman una parafernalia de cabaret que harían las delicias de Jean Genet -de hecho le dedican una canción al dramaturgo francés- y resulta que suena bien. No sólo eso, suena muy bien y su Noah's Ark es un disco para tener bien cerca.




Noah's Ark
(CocoRosie)


Rainbowarriors
(CocoRosie)


Y un par de temas en directo para compensar el penoso sonido con el espectáculo de estas locas:



Beautiful Boyz
(CocoRosie & Antony Hegarty)


Y la otra pata para un banco es la sin par Joanna Newsom. Si autoeditarse y distribuirse un disco con 19 años no es mérito suficiente, con su último LP Ys se ha hecho con el puesto de honor de la selección de mejores discos del año de la exigente web de crítica musical "Pitchfork Media" -en los últimos 3 años no ha faltado una decenita de discos de estos tipos que se colaran en la susodicha lista-. Pero la diferencia fundamental con otras artistas adolescentes, incluso con inquietas musicales como Lily Allen, no sólo es que la señorita Newsom sea una virtuosa del arpa -ni que salga con el líder de Smog, 15 años mayor que ella-, sino que se ha creado un mundo a la medida de su aspecto élfico que le da unas cuantas vueltas de tuerca a los juegos sonoros de Björk. El propio Ys dura casi una hora y sólo tiene 5 canciones, lo que da una idea de las locuras musicales que ha sido capaz de desarrollar esta chica. Además, Joanna Newsom se va aún más lejos, no es que haga alusiones a esos personajes casi medievales del Medio Oeste, sino que directamente recurre al Medievo y se trae los cantares de juglaría bretones adaptados a los nuevos tiempos. No perdáis la oportunidad de escucharla porque es una experiencia. Mientras, podéis echarle un ojo al espectacular monográfico que le dedicaron en "Arthur" (Nearer the heart of things).




Sawdust & Diamonds
(Joanna Newsom) (en directo para verla en acción)


Pero, obviamente, este concepto es una etiqueta de conveniencia, definida por su contexto y utilidad periodística y el tema va más allá con diversas ramificaciones. Dentro del grupo primigenio cabría destacar también a Animal Collective, cuyo líder curiosamente está casado con la ex-cantante del también extrañísimo colectivo islandés Múm, que colaron uno de sus discos en el top 10 de "Pitchfork Media" de mejores discos de los que llevamos de década.

Tendríamos, además, un frente importante compuesto por grupos vinculados más directamente con el 'folk' -o casi, con más exactitud, con el 'folklore'-. Los nombres más relevantes serían sin duda los ya muy comentados DeVotchKa, responsables junto a Mychael Danna de la banda sonora de Little Miss Sunshine; The Mountain Goats, colectivo de difusos márgenes al estilo de Antony and the Johnsons liderados por el que probablemente sea el mejor compositor del "movimiento", el ínclito John Darnielle; el propio ligue de Joanna Newsom, Smog, aunque su dilatada carrera da para pocos encasillamientos; el más 'freaky' de toda esta banda, Sufjan Stevens; y otra revelación adolescente más: Beirut. De todos ellos habrá oportunidad de hablar en posteriores ocasiones.

How It Ends
(DeVotchKa) (el 'leitmotiv' de Little Miss Sunshine en directo)


This Year
(The Mountain Goats)


I Feel Like The Mother Of The World
(Smog)


For The Widows In Paradise, For The Fatherless In Ypsilanti
(Sufjan Stevens)


Gulag Orkestar
(Beirut) (espectacular directo con Arcade Fire, Final Fantasy y un ejército de trompetistas)



Y ya en el margen de los márgenes estarían los inefables The Decemberists con sus historias de piratas, marineros vengativos, princesas deshonradas y demás fauna aventurera. Y, aunque ni por geografía ni realmente por estilo podríamos hablar de ellos como auténticos miembros de la "New Weird America" -todos sabemos que cuando se habla de América se habla de EE.UU.-, por su trascendencia deberíamos incluir a los canadienses The Arcade Fire que con su Funeral crearon un clásico de este siglo que acabamos de empezar.

The Mariner's Revenge
(The Decemberists) (un vídeo hecho por unos 'freakies' pero que dista poco de los originales y es descacharrante)


Rebellion (Lies)
(The Arcade Fire)



Discos fundamentales de la "New Weird America":

• Animal Collective, Sung Tongs (2004)



• Antony And The Johnsons, I Am A Bird Now (2005)



• Beirut, Gulag Orkestar (2006)



• CocoRosie, Noah's Ark (2005)



• Devendra Banhart, Cripple Crow (2005): atención al homenaje 'freaky' de la portada al Sergeant Pepper's de los Beatles




• Devendra Banhart, Rejoicing In The Hands (2004)



• DeVotchKa/Mychael Danna, Little Miss Sunshine (2006)



• Iron & Wine, Our Endless Numbered Days (2004)



• Joanna Newsom, Ys (2006)



• Six Organs Of Admittance, School Of The Flower (2005)



• Smog, A River Ain't Too Much to Love (2005)



• Sufjan Stevens, Illinois (2003)



• Sufjan Stevens, Michigan (2005)



• The Arcade Fire, Funeral (2004)



• The Decemberists, Picaresque (2005)



• The Mountain Goats, The Sunset Tree (2005)

Ready to Uff...

Como ella misma dice en la canción que da nombre a esta sección “it’s Uffie, of course!”. Anna-Catherine Hartley, más conocida como Uffie, es la nueva reina del 'electro' francés y, por extensión, de la escena londinense lo que ya es mucho decir.


Originaria de Miami pasó un tiempo en Hong Kong antes de volver a su Florida natal. Buscalíos de natural, su madre le dijo aquello de "con tu tío y con tu tía irás a Bel-Air" y la mandó con su padre que por entonces vivía en París (qué mejor decisión para evitar que una adolescente americana se meta en líos que mandarla a París, claro). Allí conoció en una fiesta a DJ Feadz con el que empezó a salir y a colaborar en el tema musical, concluyendo en la consiguiente aparición de una página en MySpace para darle bola al tema (http://www.myspace.com/uffie). A través de esa democracia global que es MySpace y con el lanzamiento de su primer single, Pop the glock, entró en contacto con la gente de Ed Banger Records. Esta pequeña productora francesa de la que hablaremos más detenidamente en futuras entregas es el punto de encuentro de lo más granado del 'electro' europeo, incluyendo a Justice y a Mr. Oizo, que se erigiría en padrino musical de la pequeña Uffie. Prácticamente nadie en este país lo recordará, pero Mr. Oizo fue capaz de colocar uno de sus temas en una serie de anuncios de Levi’s que hicieron mover la cabeza a medio mundo al ritmo de un trasunto de teleñeco amarillo.

Uffie se convirtió entonces en una versión 'teenager' y erótico-festiva de la ya veterana Miss Kittin. Su primer gran éxito después de Pop the glock le llegaría con Ready to uff, declaración de principios producida por el propia Mr. Oizo en la que no dice menos de 5 "fuck" cada 30 segundos, y el salto al gran circuito del 'electro' lo daría precisamente colaborando con Justice en su tema Tthhee ppaarrttyy (este dúo francés tuvo sus 15 minutos de fama cuando hicieron cabrear a Kanye West al ganarle por la mano el premio MTV al mejor vídeo). Aquí os dejo una remezcla aunque el tema original lo podéis encontrar en la página de MySpace de Justice (http://www.myspace.com/etjusticepourtous):


Justice y alrededores ya pasaron por el Club Low de Madrid en mayo y hace unos días estuvieron liándola en el Sónar. Al parecer es posible que Uffie venga al Creamfields de Almería pero todavía está por confirmar. Así que, mientras esperamos que en España haya alguna vez una escena de algo, os dejo un par de vídeos (recordad que, ante la duda, MySpace es vuestro amigo):


FIRST LOVE - UFFIE


READY TO UFF - UFFIE

Los 25 discos de los 90

Y para abrir fuego qué mejor que tirar de las raíces. Este mondongo monográfico tiene ya casi 5 años y cuando lo releo me dan ganas de reescribirlo entero, incluso cambiando a los componentes de la lista. Pero es lo que tienen los fantasmas de las Navidades pasadas, que son unos tocapelotas sin pelotas. Así que aquí está de nuevo una vieja petición del oyente, la lista de los 25 discos de los 90 ordenaditos cronológicamente. No son los mejores ni los peores, son los que son y mis sudores me costó:


1990

Ritual de lo Habitual (Jane’s Addiction)


Para abrir década, un disco que revolucionó el rock del momento con lo que se dio en llamar funk-metal, Ritual de lo Habitual. Fusiona todo lo habido y por haber, desde baladas acústicas a rock californiano pasando incluso por un mantra. ¿Los protagonistas principales del disco? La voz de Perry Farrell y la guitarra del siempre genial Dave Navarro (no hace falta decir que el grupo por el que es más conocido, los inefables Red Hot Chilli Peppers, están representados un poco más abajo) en canciones como Stop! o Been Caught Stealing.


1991

Nevermind (Nirvana)


1991. El año grande de los 90 y, evidentemente, qué mejor disco para representar este bombazo que el Nevermind, el disco Biblia del Grunge y a la sombra del que estuvo todo aquello que apareció por la época. Los recursos llevados al mínimo proclamando una esperanza vital igual de mínima crearon un nuevo estilo de música que volvió a remover a la juventud como ya hizo el punk. Y a la cabeza de esta generación Kurt Cobain (al que se le sigue considerando una de las personalidades más influyentes de la década) y sus chicos abanderados por una canción, Smells Like Teen Spirit…


Blood Sugar Sex Magic (Red Hot Chilli Peppers)


Con otro de los grandes discos del año, los Red Hot Chilli Peppers dieron una vuelta de tuerca más (o varias) al funk-metal de Jane’s Addiction. Gracias a la producción de Rick Rubin que echó el freno a la guitarra de John Frusciante (probablemente el error de ahora sea un exceso de libertad), el resto de la banda, especialmente la peculiar voz de Anthony Kiedis, pudo aparecer. Y aunque sus canciones siguen siendo igual de provocadoras que siempre (Give It Away es el mejor ejemplo con el bajo de Flea), en este disco destaca como un arcoiris una balada: ¿quién no reconoce los acordes de Under the Bridge?


Ten (Pearl Jam)


El otro manifiesto grunge del año. Más melódico, más limpio y aunque también desencantado, más políticamente correcto que su compañero (quién les iba a decir por entonces que el hijo del Presi sería Presi también y que serían de los pocos en tocarle las narices). En definitiva, un disco más accesible para el público y que gracias a la voz y las geniales letras de Eddie Vedder en canciones como Even Flow, Jeremy y, sobre todo, Black, vendería más 10 millones de copias.


Achtung Baby (U2)


Después de convertirse en una de las bandas más importantes de los 80 con discos memorables como The Joshua Tree, en los 90, U2 se reinventaron a sí mismos con este disco. Al igual que el aquel es muy personal, pero en este caso influenciados por todos esos acontecimientos que movilizaron al resto del panorama (grabaron el disco en Berlín menos de un año después de la caída del Muro) produjeron un disco más reflexivo y más nihilista. Esto se puede comprobar desde la primera canción del disco, Zoo Station, un tema lleno de guitarras distorsionadas y sonidos metálicos y, cómo no, en One, con total seguridad una de los temas más conocidos del grupo y uno de los más amargos también.


Loveless (My Bloody Valentine)


Siguiendo la línea reflexiva de la época apareció un disco extraño surgido de la cabeza y del perfeccionismo de un hombre igual de extraño, Kevin Shields. A pesar de que los recursos son los clásicos (poco más allá de un sampler), lo revolucionario de este disco es que fue capaz de convertir la música únicamente en sentimiento. Rompiendo la linealidad de los discos habituales, este es prácticamente cíclico, siendo casi imposible distinguir los detalles que hacen a sus canciones diferentes, pero siendo perfectamente perceptible una sensación de perfección y de abrumadora melancolía. Y así, casi sin letras intelgibles y entre susurros de 'shoegazer' surgió el 'noise pop'…


Screamadelica (Primal Scream)


En todas las familias hay un primo raro y en este caso el lugar lo ocupa este disco con diferencia. ¿Sus cualidades? Recuperar la música que pusieron de moda los Rolling Stones o Phil Spector y hacerla bailable (sí, eso que Fat Boy Slim y los Chemical Brothers hacen en versión 'techno'). Gracias a la producción de ese loco lisérgico que es Andrew Weatherall y a su cantante Bobbie Gillespie, esto pudo ser posible y de ahí surgieron canciones tan anacrónicas como Movin’ On Up o I’m Coming Down.


1992

Dirty (Sonic Youth)


Después de revolucionar la música a finales de los 80 con Daydream Nation y del más comercial Goo, Sonic Youth debido a la influencia de Nirvana y del productor de ambos, Butch Vig (efectivamente, el tipo inquietante de las gafas de Garbage) lanzaron este disco que recupera la sexualidad y la obsesión de sus antiguas canciones. La presencia del sonido grunge y la influencia del siempre curioso Lee Ranaldo dio lugar a canciones tan impactantes como Sugar Kane o Drunken butterfly.


RATM (Rage Against the Machine)


Probablemente el debut más sonado de los 90. El primer grupo que mezcló hip-hop y metal y le salió bien gracias a la guitarra de Tom Morello y a la atronadora voz de Zack de la Rocha. Con bases no aptas para cardiacos y riffs de guitarra imposibles de seguir, recuperaron en sus letras la lucha por la rebelión contra el sistema y la igualdad en canciones tan potentes como Bullet in the Head, Killing in the Name y Bombtrack. Un disco al que le deben un tributo muy serio todos los grupos que fueran punteros del nu-metal. Lástima que no se volviese a repetir.


Automatic for the People (R.E.M.)


Tras la grabación de Out of Time que fue un rotundo éxito comercial, el grupo de Georgia entró en crisis y se distanciaron emocionalmente. A consecuencia de esta situación, se refugiaron en sus instrumentos y sacaron a la luz toda la melancolía que llevaban acumulada reflejo de la inocencia perdida y de su infancia sesentera a la sombra del ‘flower power’. En este contexto surgió Automatic for the People, un disco bañado en tristeza con canciones tan intensas como Man on the Moon, Drive y Everybody Hurts que demuestran de lo que son capaces estos chicos.


Dirt (Alice in Chains)


El grunge llevado al extremo. La desolación concentrada y la fatalidad de la adicción a la heroína. Así se podría definir uno de los discos más controvertidos y explícitos de la década, autobiográfico de un hombre que acabó sucumbiendo a las drogas, Layne Staley. Para algunos críticos un grupo superior en fuerza incluso a Nirvana, apoyados por sus propios demonios internos y por la compenetración de la voz de Staley con los riffs de la guitarra del que, probablemente, fuese el mejor guitarrista del panorama grunge, Jerry Cantrell. A destacar del disco temas tan densos como Them Bones, Down in a Hole o Would?


1993

Debut (Björk)


¿Quién no conoce a estas alturas de la película a la islandesa más famosa de todos los tiempos? Esta artista multidisciplinar ganadora de premios hasta en Cannes debutó a gran escala, como es lógico, con este disco llamado Debut. La cautivadora voz de Björk canta demostrando que ser racional es irracional y lo dice directamente al corazón, haciendo desear al que lo escucha ser el protagonista de las canciones. Canciones como Human behaviour, Venus as a boy o Big time sensuality demuestran que este es un álbum para los sentidos y presagio de lo que estaría por venir.


Rid of Me (PJ Harvey)


El feminismo radical hecho música, con letras que hablan sobre violencia surreal, caos, sadomasoquismo y sexo en general. Rid of Me, el segundo disco de Polly Jean Harvey, fue considerado por la crítica como un bulldozer musical conducido por la nueva Dalila que venía a sustituir a los Sansones del panorama. Así es la atmósfera que se respira en el disco: guitarras potentes, sonidos electrónicos y, cómo no, la voz subyugadora de la Harvey diciendo lo que realmente quiere. Así que, al que le gusta la caña, sólo tiene que escuchar el tema que da nombre al disco y descubrir este mundo de perversión.


1994

Superunknown (Soundgarden)


El nombre ya lo dice todo. El disco que significó la última gran obra del grunge el año de la muerte de Cobain. Letras llenas de desesperación, alienación y con una grandiosa producción por parte de Michael Beinhorn que les acercó al sonido de Black Sabbath, hacen de este con diferencia el mejor disco de la banda. La prodigiosa voz de Chris Cornell (una pena que se dedique ahora a las tonterías que canta con Audioslave) acompañada por su guitarra y la batería de Matt Cameron hacen de canciones como Black Hole Sun o Spoonman imprescindibles de la década.


Grace (Jeff Buckley)


Y en medio de esta oleada de nihilismo recalcitrante apareció (y desapareció meses después) Jeff Buckley. Una de las voces más personales del rock melódico de la última década, etérea y sensual, que demostró al mundo de la música que la poética de Leonard Cohen no había desaparecido. Canciones para todos los gustos, frágiles, llenas de patetismo y a la vez bellas y sutiles, todo para encontrar un camino de autodescubrimiento que sobrecoge los sentidos. Canciones como Dream brother, Mojo Pin o Hallelujah dejan claro que la música es el mejor vehículo para las emociones.


Definitely Maybe (Oasis) y Parklife (Blur)



No hace falta decir por qué estos dos discos están juntos. Oasis y Blur, los dos grupos fundadores (por suerte o por desgracia para ellos) de lo que se dio en llamar 'brit-pop' sacaron estos discos al mismo tiempo al mercado haciendo que el mundo girase la cabeza para mirar hacia lo que venía de la Gran Bretaña. Los primeros, con un disco que te hace sentir el dueño del mundo por un instante gracias a las inmensas letras de Noel Gallagher y a la voz de su hermano Liam. Los segundos, más gamberros, realizaron una de las mayores odas a la vida londinense y al 'cockney' gracias a las satíricas letras de Damon Albarn y Graham Coxon y al uso de sus respectivos instrumentos. Canciones tan inolvidables como Girls & boys, Badhead o Parklife de Blur y Live forever, Slide away o Cigarettes & alcohol de Oasis hacen de éstos dos grandísimos discos icono de la cultura ‘british’ y de los 90.


1995

Mellon Collie and the Infinite Sadness (The Smashing Pumpkins)


Si hay un disco que marcase este año y gran parte de la década, es el Mellon Collie..., porque si los Smashing Pumpkins ya mostraron un enorme potencial con su anterior disco, Siamese Dream, con este doble disco lo ratificaron sobradamente. Un álbum que recogió a esa generación descarriada, abandonada un año antes por Cobain, y la devolvió a la música grunge de la mano de su genial cantante, Billy Corgan. Gracias a sus grandísimas letras, a su personal voz y a la perfecta sincronía con el resto de la banda (hay partes de las canciones que se supone que sólo pueden ser interpretadas por ellos), crearon un doble disco que tan pronto te hace volar con canciones orquestales como Tonight, tonight como arrastrarte por el fango con otras más guitarreras como Zero o Bullet with butterfly wings. El único defecto de este disco: ser tan bueno que nada de lo que han hecho después ha sido comparable. The world is a vampire…


Maxinquaye (Tricky)


La oscuridad vio la luz en 1995. Marcado por la personalidad de su autor, inquietante y oscura como una pantera negra, este turbador disco mezcla de hip-hop, dub y, sobre todo, mucho 'noise', abrió las puertas de lo que sería uno de los nuevos estilos de referencia de los 90 junto con el grunge, el 'trip-hop' que naciera con Massive Attack en Bristol. Melodías paranoides, guitarras agresivas, voces hipnóticas hacen que este disco no sea uno de esos que se escuchan de fondo, sino que te atrapa y no te suelta hasta que te engancha o te aterroriza con su atmósfera asfixiante.


(What’s the Story) Morning Glory? (Oasis)


El segundo disco de Oasis fue una vuelta de tuerca más en su teoría de recuperar la música de los 60. Mucho más maduro que el anterior y con las ideas más claras pero, ¿por qué hacer de este el único segundo disco de un mismo grupo en la lista? Pues por una razón muy sencilla llamada Wonderwall. A pesar de tener unas grandes canciones, mucho más íntimas que en el anterior, esta perla destaca sobre todas ellas. De una versión de una hortera canción de los 60, salió la que fue elegida por la crítica (europea, ya se sabe que los americanos son muy ombliguistas) la mejor canción de los 90. La voz de Liam Gallagher, acompañada por el resto de la banda y un violonchelo que te sobrecoge hacen de esta una canción inolvidable.


Grand Prix (Teenage Fanclub)


El ojo derecho de la crítica de ese año y, probablemente de la década, fue el 4º disco de este grupo deudor del sonido sesentero más puro. Canciones positivas, voces agradables con un buen acompañamiento de guitarras y unas letras que ya quisieran muchos para sí, hicieron que este disco se ganase tanto a público como a crítica. Temas como About you, Tears o I’ll make it clear hacen que luzca el sol aunque estés en pleno invierno.


1996

Odelay (Beck)


Si hay un cantante que de la noche a la mañana se convirtiese en uno de los artistas más influyentes en todos los aspectos, ese es Beck. Mezcla de todos los estilos que confluyen en California, desde 'hip-hop' a 'soul' pasando por el 'folk' más 'hippie' de Dylan, surgió este disco que arrasó en todas las ceremonias de premios del mundo. Cada canción del disco es un experimento de fusión en sí misma que suena bien mezcle lo que mezcle, como Devil’s haircut o Where it’s at. Un disco caleidoscópico tan divertido e impredecible como una juerga playera.


If You’re Feeling Sinister (Belle & Sebastian)


Si hay un grupo que defina a la perfección qué es el 'indie', esos son Belle & Sebastian, una de las joyas que debería estar en cualquier festival de música que se precie. If You’re Feeling Sinister fue el álbum que les lanzó a la fama dentro de los círculos independientes y que les convirtió en grupo de culto para todos aquellos que huyen de la rutina musical (ellos mismos huyen de la industria que les intenta cazar). Un disco sorprendente, mágico, que rehúye los tópicos y trata de explorar la cotidianeidad como si cada momento de la vida fuese algo especial. Canciones como Get me away from here I’m dying o Like Dylan in the movies te transportan desde la simple alegría a la más oscura melancolía. Un disco para escuchar un domingo por la mañana.


1997

OK Computer (Radiohead)


Año 97. Palabras mayores, aparece OK Computer. El disco que cualquier grupo hubiese querido crear. Un disco que cambió la manera de pensar con respecto a la música. Los chicos de Thom Yorke habían tenido ya un gran éxito con The Bends, pero nadie era capaz de imaginarse lo que venía después. Un disco crudo, escalofriante, apabullante, tenebroso, único. Un 'collage' de sentimientos que subyugan a cualquiera con canciones perfectamente ordenadas que proceden de algún lugar desconocido. Paranoid android, Karma police o Climbing up the walls son temas que quedarán para la historia de la década y como epílogo del siglo. Una obra indescriptible que convirtió a Radiohead en la mayor banda de culto del último lustro y que nadie debería dejar escapar.


1998

Mezzanine (Massive Attack)


A pesar de que ya hacía unos añitos de la aparición del 'trip-hop' a través de la música de Tricky y de los propios Massive Attack con su germinal Blue Lines, este disco supuso uno de los mayores bombazos de un género tan minoritario como este. Si ya los anteriores eran oscuros por los sentimientos que transmitían, Mezzanine es como un agujero negro que ni siquiera deja escapar la luz. Post-apocalíptico como Blade Runner, amenazante, hipnótico, subterráneo… y con una canción (y un vídeo) magistral que sacó de cuadro al mundo gracias a la voz de los Cocteau Twins, Liz Fraser, Teardrop. Una banda sonora para los sueños más extraños o para las mayores pesadillas.


Pues aquí acaba la lista, espero que os haya gustado, y que os haya hecho plantearos dónde están ahora grupos como estos que sean capaces de marcar una época.