domingo, 8 de mayo de 2011

Edward Hopper and the cinema

Thinking about the power of images I thought it would be a good idea recovering an article Philip French wrote some years ago on The Observer about one of my favourite painters, Edward Hopper, and his relationship with cinema. So, there it goes, with a selection of images to illustrate Mr. French's words:

From Nighthawks to the shadows of film noir

Since the cinema's earliest days, film-makers have been turning to graphic artists for inspiration, most famously reflected perhaps in the phrase 'Rembrandt lighting', a term used by Cecil B. De Mille to bamboozle an impressionable producer about some peculiarly shadowy scenes. But arguably the most influential artist of our time has been Edward Hopper. Born in 1882, Hopper was 13 when the first images were projected on to a screen, 21 when The Great Train Robbery was shown around the world, and in his late forties when the 'talkies' arrived. He died in his Washington Square studio in 1967, just before the opening of Bonnie and Clyde.


Hopper loved the movies. 'When I don't feel in the mood for painting,' he said, 'I go to the movies for a week or more. I go on a regular movie binge.' The cinema returned the compliment by turning to him for stylistic inspiration, and film noir became his great love and the area of his chief influence. He created a world of loneliness, isolation and quiet anguish that we call Hopperesque.

Hopper's mentor, Robert Henri, a creator of the realist 'Ashcan School', encouraged him to go out to theatres and movie houses in order to observe the community at play. Instead, Hopper recorded the isolation of individual spectators waiting for the curtain to go up or the lights to go down. Glued to the screen or the proscenium arch, they turn in on themselves in a succession of unforgettable works. Hopper's etching entitled The Balcony or The Movies came early on, depicting two isolated figures looking down on an unseen screen. His masterpiece, New York Movie (1939), of an usherette standing beneath a wall light to the side of a palatial, darkened auditorium, is the greatest painting of any cinema interior.


German expressionism impinged on Hopper early on, during his sojourn in Paris. His 1921 etching Night Shadows looks like a storyboard sketch for a high-angle shot in a Fritz Lang movie. But what really influenced him were the movies shot on the backlots of Hollywood's great studios in the Thirties and Forties. Like the films of Hollywood's Golden Era, his paintings are about 'the city', a heightened abstract notion rather than any particular metropolis. Voyeurism has been an unavoidable condition of urban living and moviegoing, and Hopper's pictures spy on people in uncurtained rooms. They are epiphanic moments in someone else's life, stills from a movie we can't quite remember.



Hopper once earned his living designing covers and illustrations for pulp magazines that forced him to condense a story or book into a single image. According to his biographer, Gail Levin, he was inspired to paint his most famous picture, Nighthawks (1942), after reading Ernest Hemingway's story The Killers, in which two hitmen arrive at a small-town diner to murder a burnt-out prizefighter for some undisclosed offence. In the classic 1946 movie version, Robert Siodmak, German-born master of the film noir, recreates Hopper's painting in black and white. The film used two typical Hopper loci for the ex-boxer's squalid lodging and humble workplace, ie the dark room in a hotel or boarding house where a single person broods, and the desolate roadside filling station as in Gas and Four Lane Road.



A couple of years later, Abraham Polonsky, the soon-to-be blacklisted left-wing writer, was making his first movie, the noir classic, Force of Evil (1948). After three days shooting on New York locations, Polonsky took one of Hollywood's great cinematographers, George Barnes, to an exhibition of Hopper paintings and said: 'That's what I want this picture to look like', and indeed it did. Barnes went back to Hollywood and shot Samson and Delilah and The Greatest Show on Earth for De Mille.


After this, Hopper's influence became, consciously or unconsciously, pervasive. Hitchcock's Psycho (1960) was a crucial point where the sinister verticality of Hopper's mansard-roofed house in his first acclaimed painting House by the Railside (1925), was combined with the unprepossessing horizontality of his numerous paintings of motels. Not surprisingly Hopper has been a major influence on the road movie. This same image of the isolated mansard-topped mansion had been used by George Stevens in Giant and was later drawn on by Terrence Malick for Days of Heaven. Much earlier, that same house had inspired Charles Addams as the residence of his cartoon family.





Hopper's greatest contribution to film noir was his way of rendering in colour those dark shadows, that contrast between light and dark. Among the first to study this was James Wong Howe, one of Hollywood's finest directors of photography. As colour came to dominate in mainstream American cinema and the quality of film stock became increasingly sophisticated, Howe brought this knowledge to bear, not on a thriller, but on the 1955 screen version of William Inge's Pulitzer play, Picnic. Almost every other shot of the film's small Kansas town looks like a detail from a Hopper painting, reflecting the pathos of its inhabitants' quietly desperate lives.


As Hopper's reputation has grown, allusions to his work have inevitably become consciously referential homages. Director Walter Hill, working with cinematographer Philip Lathrop, draws on his paintings in Hard Times (set in New Orleans during the Depression) and The Driver (a noir thriller set in an unnamed city with equally anonymous characters). Lathrop had earlier been inspired by Hopper while working with John Boorman on Point Blank (1967); he later collaborated with Wim Wenders on Hammett (1982), a movie infused by Hopper's work.

Norman Mailer, an admirer of Hopper, preceded his only mainstream movie, Tough Guys Don't Dance, with a montage of Hopper houses and lighthouses on the New England coast. Numerous cinematographers - Gordon Willis (responsible for the Godfather trilogy and most of Woody Allen's pictures), Michael Chapman, John Bailey, László Kovács - have also been in thrall to Hopper. The great British production designer Ken Adam scrupulously reproduced Hopper's Nighthawks and New York Movie when transposing Dennis Potter's Pennies From Heaven (1981) from prewar Britain to the American Midwest during the Depression.


In The End of Violence (1997), Wim Wenders made his audience gasp by his Californian evocation of Nighthawks. More recently, another European director working in the States, Sam Mendes, for his period thriller Road to Perdition, turned to Hopper both for the film's dark interiors and the forlorn look of America in the Depression. In the final sequence, that arched, seductively innocent, apparently unoccupied house by the lake is inspired by the artist's paintings of seaside and lakeside houses. It's pure Hopper.

lunes, 22 de febrero de 2010

Eric Rohmer dies at 89



I come out of my ostracism after finding unexpectedly during today's BAFTAs that the master Eric Rohmer died last month aged 89. And although it's a serious sin not having found out about it for so long it's never too late to write something even if it's short.


Rohmer was never my favourite director of the 'Nouvelle Vague' and he didn't direct my favourite movies either -Truffaut and Godard did-, but he was me in the movement. I don't know if that's good or bad because he was supposed to be an unbelievably, annoying, son of a bitch, but he always told his stories the way I would have told them and, in that way, he always made me laugh like a kid although his stories were far from amusing.


He directed a jewel like My night at Maud's but I always remember him for Pauline at the beach. I watched it when I was a kid and it always represented for me how different cinema could be and the fact that there were no conventions when it comes to tell a story.


Taking this even further he directed the rest of his "Moral tales", "Comedies and proverbs" and "The tales of four seasons" that granted him the infamous labels of "miniaturist" and "entomologist", so frequently used by his detractors to describe the way he studied and pulled his characters apart to tell his stories. But in doing so he broke the conventions of narrative to talk of life as such, a much less intricate event than we think, without fireworks celebrating big moments of joy or sad piano music accompanying drama, without a logical narrative structure, where things just happen as he showed at its best on A winter's tale or on Claire's knee. And so often using the naivety and natural manners of the youth compared to the awkward situations adults put themselves through.



And although his movies in the last decade were far from his splendor and more directed to satisfy his interest in literature, he still leaves us his talent in more than a dozen movies that will make us remember him for the cinematic genius he was.

martes, 11 de noviembre de 2008

Passion Pit o cómo sacar partido de San Valentín



Aquí vengo con mi apuesta musical de turno y, posiblemente, del año: Passion Pit. Un tipo de Massachusetts llamado Michael Angelakos decidió que lo de los bombones estaba muy visto y, como lo de grabar cassettes ya no se estila, le regaló un CD a su novia con un puñadete de baladas 'disco' de creación propia. La voz se corrió, a los amigos les moló y ahí les tienes, 5 canciones mal apañadas y un 8 en Pitchfork Media.


Lo primero que escuché fue I've got your number que, al primer golpe, parece una nueva entrega de este movimiento italo disco que está pegando fuerte en el 'underground' anglosajón, pero con un toque menos nocturno y más de domingo por la mañana en el 'after-hours'. Luego llegó Sleepyhead, extrañísimo tema que suena a 'do-it-yourself' y que mezcla ese rollo vocal de Alvin y las ardillas con un 'beat' contagiosísimo. Y ahora acaban de editar el EP Chunk of change que así, en un rollo a lo Crystal Castles, sirve de carnaza a la espera de que el año que viene o el siguiente editen el largo.


Se editará mogollón de mierda, pero qué gran amigo de la música fue ese hombre que inventó el ProTools y le dio a todos estos zumbados con ideas la posibilidad de grabar en casa. Bueno, al tema, el único vídeo oficial que han sacado:

Sleepyhead
(Passion Pit)



Y para descargar os dejo I've got your number:

Passion Pit - I've got your number

lunes, 10 de noviembre de 2008

Italians Do It Better: El retorno del Italo Disco



¿Recordáis eso que se bailaba a mediados de los 80 y que plagaba las bandas sonoras de películas como Scarface, Cazafantasmas e, incluso, Blade runner? El mundo se llenó de gente que hacía cosas extrañas con sintentizadores, cacharros de 8 pistas y que, en gran parte, tenían apellidos europeos. El gran 'pope' de esta movida fue Giorgio Moroder que ya por los 70 tonteaba con maquinitas y que se convirtió en el rey de las producciones ochenteras para gente como Cher, Donna Summer, Blondie, David Bowie o Bonnie Tyler, sin contar que fue el responsable de las bandas sonoras de Top Gun, Flashdance, la ya citada Scarface o El expreso de medianoche con la que ganó su primer Oscar (los otros dos serían como autor de What a feeling y Take my breath away para Flashdance y Top Gun, respectivamente). Pero después de que Michael Jackson la liara con Thriller se jodió el invento y el 'disco' empezó a decaer para dejarle paso a lo que ahora todo el mundo conoce como pop... Hasta ahora.


De unos años para acá, en el 'underground' mas ignoto de las grandes ciudades americanas estaba apareciendo una nueva tendencia en la música electrónica que, en lugar de beber de las fuentes del 'house' y el 'drum'n'bass' como hacen el 'electro' o el 'dubstep', decidió recuperar la vena petarda-elegante del italo disco. Así, en 2006, la discográfica Troubleman Unlimited, productora de artistas como Devendra Banhart o Camera Obscura, creó el sello Italians Do It Better para darle salida a todo lo que se movía en la escena de Nueva York en forma de su serie de culto Killer Kuts. En estas grabaciones de serie limitada empezaron a sonar nombres como los de Chromatics, Glass Candy, Farah o Mirage. En la misma época apareció también Disco romance el debut de Sally Shapiro, una chica sueca de la que aún a día de hoy se desconoce casi todo (incluido su nombre real) ya que nunca ha actuado en directo o concedido una entrevista en tiempo real, y que incluía el bombazo I'll be by your side que le valió un 8,5 de la revista electrónica Pitchfork Media. Y llegó el año 2007, momento cumbre del italo disco con la publicación del recopilatorio After dark, magna opus de Italians Do It Better y uno de los discos que cualquier persona interesada en la música debería tener. Desde entonces están saliendo LPs y EPs como setas encabezados por los grandísimos trabajos de Chromatics y Glass Candy y parece que el tema sigue adelante. Ya veremos si algún grupo misterioso de estos pega el petardazo como los Crystal Castles y se convierten en lo más 'cool' de la música de aquí a un tiempo. Mientras, una selección de lo mejor:

In the city
(Chromatics)
(Me encanta este vídeo)


I'll be by your side
(Sally Shapiro)



Running up that hill
(Chromatics)



Miss Broadway [live]
(Glass Candy
)


Dancing girls [live]
(Farah)



Night drive [live]
(Chromatics)

miércoles, 5 de noviembre de 2008

Alice Glass, cantante de los Crystal Castles, elegida artista más 'cool' del año 2008



Vuelvo de mi retiro autoimpuesto porque si no lo ponía reventaba.

Alice Glass, cantante de los Crystal Castles, ha sido elegida por la revista NME para encabezar su reverenciada lista de lo más 'cool' del año. En pasadas ediciones la lista estuvo liderada por personajes como Pete Doherty, Jack White o Beth Ditto, la cantante de The Gossip, que se convirtió en un auténtico referente pop después de aquello. A ver si el año que viene M.I.A. tiene suerte y pega el petardazo también.


La entrevista que le han hecho a Alice, muy en su línea cripto-zombie, va tal que así:

NME: Alice, ¿cómo sienta ser nombrada la artista más 'cool' del planeta Tierra en 2008?

Alice: Me siento halagada, pero en el colegio la gente que se tenía a sí misma en la misma consideración era el mayor desperdicio de carne que haya podido conocer.

N: ¿Por qué crees que has recibido tantos votos?

A: Mi pacto con Satán no ha expirado todavía.

N: ¿Cuál es la cosa más 'cool' que posees?

A: Esclavos.

N: ¿Quién es tu icono 'cool'?

A: Necesitamos nuevos idiomas. Necesitamos dejar de hablar como beatniks.

N: ¿Lo 'cool' realmente importa?

A: Nada importa. Sólo somos polvo.


Y, para complementar un poco, me traigo la actuación de los Crystal Castles en el festival de Glastonbury, pieza indispensable en la repercusión que el grupo está teniendo estos días. El final no se ve, obviamente, pero tuvo que ser cortada por la organización por el desmadre que se montó con Alice saltando sobre el público y los guardias de seguridad tratando de sujetarla (eso sí se ve :-P ). Atención también al futuro bombazo que puede ser el todavía inédito Baptism:





Ahora ya puedo decir de manera totalmente oficial que tuve la ocasión de conocer a la artista más 'cool' del planeta.

martes, 1 de abril de 2008

Crystal Castles sacan por fin LP



Retorno de mi exilio estudiantil auto-impuesto porque ayer me llegó como último podcast de la KEXP el nuevo 'single' de Crystal Castles, Vanished. Me dio por curiosear a ver qué andaban haciendo y resulta que después de 3 años llenando la blogosfera de singles, EPs y remixes por fin se han decidido a sacar un largo en Last Gang Records, la productora de Chromeo, Tiga o The New Pornographers entre otros.


Todavía estoy por escuchar el disco entero, pero os cuelgo el link de lo que dice Pitchfork Media al respecto (les cascan un 8, que no está mal para el disco de debut de un combo tan ajeno a las convenciones como los Crystal Castles). Por si fuera poco ya empiezan a salir en las portadas de las revistas importantes:


Por decir algo, como epílogo a las 15 canciones de '8-bit' rabioso que componen el disco, tienen uno de los temas más bonitos que ha dado el 'shoegazing', no sólo recientemente -que tampoco sería mucho decir, porque ya casi no se estila-, sino en toda la historia del género: Tell me what to swallow. Ahí os subo un puñadillo de temas.

Descargas:

Crystal Castles - Untitled Unfinished

Crystal Castles - Vanished

Crystal Castles - Courtship Dating

Crystal Castles - Black Panther

Crystal Castles - Tell Me What To Swallow

lunes, 25 de febrero de 2008

ROAD TO THE OSCARS (38.2): Premios Oscars 2007



Llega el momento de comentar el palmarés y la gala. Este año no podemos decir que se veía la cosa venir porque, sin llegar al golpe de Crash, ha habido sorpresas a montones. Las dos más claras, sin duda, las actrices. Marion Cotillard venía sonando desde el principio en las apuestas, pero el dominio que se le daba a Julie Christie desde que la Blanchett y su Elizabeth desaparecieron del mapa era casi incuestionable. Una posible razón para la sorpresa, además de que gusta eso de los 'biopics', es que Juno y con ella Ellen Page han subido como la espuma en los últimos momentos, lo que le ha podido quitar no pocos votos a la Christie. Menos sorpresa ha sido lo de Tilda Swinton en una categoría en la que sólo Saorsie Ronan partía con desventaja. En este caso sí que es obvio que la Swinton, sin duda una de las mujeres más particulares del panorama cinematográfico como ya comentaremos y a la que le llevaban tiempo teniéndole ganas, se ha aprovechado del reparto de votos entre las favoritas obvias que eran Cate Blanchett y Amy Ryan.

Sorpresas también ha habido en las categorías técnicas que les habrán servido a algunos apostadores para forrarse. Pocos podían imaginarse que una película como El ultimátum de Bourne fuera a ser la gran ganadora cuando sólo se contaba con ella para el montaje. Como siempre dicen los expertos de esto, ante la duda en unos premios tan particulares como los de sonido pues se vota al peso y entre Transformers y la británica parece que el grueso de la Academia se ha decantado por esta última. Otros premios votados al peso han sido los de dirección artística y vestuario. Hace poco la revista "In Style" publicaba una encuesta en la que diversos grandes nombres de la moda eligieron el vestido esmeralda de Atonement como el mejor vestuario para cine de todos los tiempos, incluso por delante del ínclito vestido blanco de Marilyn en La tentación vive arriba. Pero, claro, a bulto gana por varios cuerpos el despliegue de medios de Elizabeth. Otro tanto de lo mismo pasa con la dirección artística de Sweeney Todd. La historia del barbero de la calle Fleet es la más obviamente sobreproducida en ese sentido pero, como bien dijo Robert Elswit al recoger su premio de dirección de fotografía, There will be blood no sería nada sin Jack Fisk y su trabajo artístico. Pero, claro, Dante Ferretti es un grande de Hollywood y también había ya ganas de darle algo a Tim Burton, aunque fuera de rebote.

Del resto tenemos lo que se preveía en los grandes titulares. No country for old men se llevó la mitad de los premios gordos incluyendo el nuestro histórico de Bardem, Daniel Day-Lewis se hizo con el suyo, Diablo Cody se llevó a casa el de guión original, Ratatouille el de animación, Falling slowly el de mejor canción y Atonement el de banda sonora que fue lo único que rascó.

Vamos ahora con lo frívolo, el 'kitsch' y demás mitomanías de la gala. Hay que decir que en general la cosa fue bastante sosota. Jon Stewart no me acaba de convencer como presentador de la gala. Es un tipo gracioso y se le dan bien los monólogos, pero le falta esa capacidad de meter morcillas de Billy Crystal o, incluso, de Ellen DeGeneres para aligerar un poco las transiciones. Además, con eso de querer reducir en duración la gala la cosa se acaba quedando en anuncios con premios entre medias. El año pasado lograron darle fluidez a la gala gracias a las muy numerosas actuaciones que colaron como las sombras chinescas de Pilobolus, el coro de efectos de sonido o esos dúos cómico-musicales de Jack Black y Will Ferrell que casi deberían ser obligatorios. Este año sólo ha habido un par de 'sketches' dedicados a los prismáticos y periscopios (vaya usted a saber por qué) y a las pesadillas (?!), y el resto ha estado dedicado al 'revival' de los 80 años de los Oscars. Como eran más bien cortitos y la mayoría encasquetados en la presentación de los premios principales, pasaron sin pena ni gloria. Los gags más divertidos fueron sin duda el dedicado a la versatilidad de Cate Blanchett (también salía en No country for old men... y era el perro) y al repaso de embarazadas, que es algo que hacemos todos en cada gala y que se ha parodiado esta vez con bastante mala leche ("and the baby goes to... Angelina Jolie, obviously"). También fue un punto el momento en el que presentaron a Judi Dench y Halle Berry y aparecieron los protagonistas de Supersalidos debatiendo sobre quién debería ser cuál.

Lo más curioso es que, por una vez, los que sí estuvieron sembrados fueron los ganadores en los agradecimientos. Abrió fuego Brad Bird haciendo un resumen de la evolución del cine en su vida, desde las discusiones con su padre sobre para qué se iba a dedicar a hacer películas a las discusiones con los productores sobre... para qué va hacer una película. Bardem, siendo novato en esto, también estuvo estupendo con la mezcla de inglés y español y con las coñas de su pelo. Y luego llegó Tilda Swinton, una de las 'tops' de la noche, que con su acento 'cockney' le felicitó el cumpleaños a la estatuilla diciéndole lo bien que estaba sin botox ni nada y aprovechó para tirarle los trastos a George Clooney y a su traje de Batman. También Daniel Day-Lewis, con lo poco aficionado a estas cosas que es le dedicó unas palabras a Helen Mirren diciendo que nunca había estado tan cerca de un mito. Hubo también sus momentos lágrima como el de Marion Cotillard que, básicamente, estaba flipando o el de Diablo Cody que con su vestido de Betty Mármol le agradeció a su familia que la quisiese tal como era y, cómo no, "a la sobrehumana Ellen Page". Pero con casi total seguridad uno de los momentos más emotivos de la noche fue el agradecimiento Glen Hansard y Markéta Irglová, a la que Jon Stewart como maestro de ceremnonias le cedió su tiempo de palabra para que pudiera decir un bonito 'speech' sobre la importancia de la música. Emotivo como siempre también fue el 'in memoriam', que este año estaba desgraciadamente superpoblado de nombres, y en el que se echó en falta a Brad Renfro, cuya muerte se vio eclipsada por la bomba días después de Heath Ledger.

Y por último comentar el punto frívolo de siempre de comentar el vestuario del personal en la alfombra roja y en el Kodak Theatre. A los tíos este año se les despacha aún más rápido que el pasado porque salvo Johnny Depp que siempre lleva algún detalle y Javier Bardem con esa chaqueta de corte marinero el resto iba discretito. Salvamos a los macizos oficiales como George Clooney o Patrick Dempsey, pero eso viene a ser lo de siempre.


En cuanto a chicas hay que decir que faltó la espectacularidad de otros años y que se echaron en falta guapas oficiales como Naomi Watts, Kate Winslet, Scarlett Johansson o Natalie Portman. De las que sí estuvieron yo destacaría sobre el resto a Marion Cotillard que, obviamente, ganaba bastante también por la comparación con su personaje, y a Helen Mirren que iba espectacular.



También muy bien iban Jennifer Garner, volviéndose a jugar el resbalón del año pasado con un vestido de cola negro; Katherine Heigl, que suplía a la Johansson en el papel de Marilyn del S. XXI; y la muy entrañable Amy Adams.


Tirando de encanto propio y con cosas más sencillas fueron Diane Lane y Ellen Page que las pongo porque me da la gana, aunque yo sí fuese la Page habría reutilizado el traje de chaqueta que se puso para los Spirit Awards.


Y para acabar con las guapas me voy con las australianas de oro, Nicole Kidman y Cate Blanchett, que este año con eso de sus respectivos embarazos iban más moderadas de lo habitual pero, vamos, son patrimonio de la humanidad.



Y de las horribles de la noche tenemos a dos reincidentes, Anne Hathaway con su blanca palidez enfundada en un "discreto" vestido rojo y Cameron Diaz, que retorna con la segunda parte del ataque de la crema bronceadora. También podríamos incluir como fuera de categoría a Tilda Swinton, que es peculiar toda ella, pero la evidente ganadora es, cómo no, Diablo Cody. La ventaja con la que cuenta es que sabemos fehacientemente que es un vestido premeditado y con toda la alevosía de la que es la autora del mejor guión original del año.


Así que aquí acaba todo por esta edición. De aquí a 8 meses el rollo volverá a empezar y esperemos que sea más y mejor ;-) .

domingo, 24 de febrero de 2008

ROAD TO THE OSCARS (38.1): Premios Oscars 2007



Está pasando, lo estás viendo. Aquí está la lista de ganadores y los comentarios esta tarde, digo yo:

PREMIOS OSCARS 2007

Mejor Película
"No Country for Old Men"

Mejor Director
Joel & Ethan Coen, por "No Country for Old Men"

Mejor Actuación Principal Masculina
Daniel Day-Lewis, por "There Will Be Blood"

Mejor Actuación Principal Femenina
Marion Cotillard, por "La Vie en Rose"

Mejor Actuación de Reparto Masculina
Javier Bardem, por "No Country for Old Men"

Mejor Actuación de Reparto Femenina
Tilda Swinton, por "Michael Clayton"

Mejor Guión Original
"Juno", escrito por Diablo Cody

Mejor Guión Adaptado
"No Country for Old Men", escrito por Joel & Ethan Coen

Mejor Película en Lengua No Inglesa
"Los Falsificadores" (Austria)

Mejor Película de Animación
"Ratatouille"

Mejor Banda Sonora Original
"Expiación", compuesta por Dario Marianelli

Mejor Canción
"Falling Slowly" (Glen Hansard/Markéta Irglová), de "Once"

Mejor Dirección de Fotografía
"There Will Be Blood", de Robert Elswit

Mejor Montaje
"El Ultimátum de Bourne"

Mejores Efectos Visuales
"La Brújula Dorada"

Mejor Sonido
"El Ultimátum de Bourne"

Mejor Edición de Sonido
"El Ultimátum de Bourne"

Mejor Dirección Artística
"Sweeney Todd"

Mejor Maquillaje
"La Vie en Rose"

Mejor Diseño de Vestuario
"Elizabeth: La Edad de Oro"

Mejor Documental
"Taxi Hacia el Lado Oscuro"

Mejor Corto Documental
"Freeheld"

Mejor Corto de Acción Real
"Le Mozart des Pickpockets (The Mozart of Pickpockets)"

Mejor Corto de Animación
"Peter & the Wolf"

ROAD TO THE OSCARS (37): Tonight is the night



Como cada año los Oscars ya están aquí y seguimos la tradición de verlos 'on-line'. Los veteranos en estas lides ya saben que esto supone eso tan divertido de tirar de emisoras oficiales y rezar para que emitan la gala, para que el servidor no casque y esas cosas. Georgia nos funcionó bien el primer año -esos hombres con bigote-, luego vinieron los serbios, los turcos y últimamente hay suerte con las hispanas y hemos podido verla en TeleTica, la tele de Costa Rica, y el año pasado en WAPA, la de Puerto Rico.

Este año me fío bastante poco de las latinas porque la de Nicaragua ya falló el año pasado y las de Panamá y Chile son corporaciones con varias emisoras, algunas de las cuales no emiten 'on-line'. Si hay suerte y estas que he cazado son las que emiten, estará bien la cosa, sino tocará irse de excursión por los países extraños. Crucemos los dedos para que funcionen como deben:

Panamá (1)
Panamá (2)
Tele13 Chile
Tele13 Cable Chile
Nicaragua
Armenia
Georgia
Rusia
Turquía
Vietnam
China
Croacia 1

Así que, ya sabéis, si os hace el tema mi MSN anda por ahí en el perfil. Yo rondaré por aquí sobre la 1:30 ó las 2 (GMT +1) organizando la cosa. Nos vemos esta noche.

En cartelera: No country for old men



Como esta noche es la noche aproveché ayer para ir a ver la más que potencial gran ganadora de la ceremonia, No country for old men, de los hermanos Coen.


El argumento es un clásico de la literatura de McCarthy. Un veterano de Vietnam que pasa el tiempo cazando descubre un grupo de camionetas abandonadas rodeadas de cadáveres: un negocio de drogas que salió evidentemente mal. La forma en la que reacciona o, mejor dicho, en la que no reacciona ante la escena definirá el destino de la película. A la búsqueda del last-man-standing de la carnicería, Llewellyn Moss (Josh Brolin), que así se llama el protagonista, se encuentra con un maletín lleno de dinero. Desde ese momento empezará una cacería digna del 'far West' con multitud de partes implicadas. Por un lado está el 'sheriff' Bell (Tommy Lee Jones), un policía veterano que lo ha visto casi todo en la vida y que persigue a Moss para intentar salvarle del lío en que se va a meter. Tenemos también a Anton Chigurh (Javier Bardem), una máquina de matar de motivaciones desconocidas que pareciera únicamente creada para este "servicio" que se autoimpone, y que saldrá detrás de Moss, básicamente porque es su obligación. Y, por último, tenemos a Carson Wells (Woody Harrelson), el encargado de perseguir a la bestia descontrolada.


La película al igual que el libro sólo se podría describir como un relato existencial que, como si de una tragedia griega se tratara, analiza cómo el destino y su búsqueda influye en las vidas de los pobres mortales que aquí moran. En ese sentido es una novedad en la filmografía de los hermanos Coen. Es cierto que en sus primeras películas, e incluso en algunas más recientes como El hombre que nunca estuvo allí, se habían cuestionado cómo los pequeños actos tienen grandes consecuencias y cómo de irónica es a veces la vida, pero nunca habían llegado al descarnamiento que tiene esta película en la que apenas si hay banda sonora. Curiosamente tiene un gran número de paralelismos con la que es una de sus obras mayores, Fargo: el dinero como origen de todo -aunque las motivaciones del personaje de Brolin sean bastante más dignas que las del de Macy-, el asesino profesional que no cuestiona su obligación, el 'sheriff' que no acaba de entender el absurdo que puede llevar a una situación así y, cómo no, el humor negro. No vamos a decir ahora que No country for old men es una película divertida, ni siquiera tiene el gamberrismo tan de los Coen que tenía Fargo, pero sí que tiene ese humor ácido del absurdo Coen, de conversaciones de bar y de chistecillos en las situaciones menos apropiadas. Son los pocos asideros que deja una película que podría seguir para siempre como si de un cuento de la tradición oral se tratara. Y todo esto contado bajo las luces y las sombras que crea el genio Roger Deakins desde detrás de la cámara. Sin duda uno de los relatos más rotundos del cine reciente.


Comentario aparte hay que dedicarle a Javier Bardem. Lo de que en los Oscars conste como actor de reparto es una ironía porque si hay un personaje que defina el tono y que haga progresar la película ese es Anton Chigurh con su crueldad injustificada, jugándose la vida de sus víctimas a cara o cruz. Bardem logra crear uno de los personajes más memorables que nos ha dado la pantalla en los últimos años. Es un personaje de origen tan desconocido como su nombre y de futuro totalmente incierto salvo porque, a no ser que alguien acabe con él, es evidente que seguirá matando. Se mueve por la historia con la parsimonia de un cirujano y de la misma manera meticulosa actúa. Es un carnicero y con la misma falta de piedad que un matarife liquida una vaca, él mata a la gente. Un favor impagable que los Coen le han hecho a Bardem.


Pero no nos vamos a quedar sólo con Bardem. Tommy Lee Jones está enorme en un personaje que mezcla la cotidianidad de aquella detective embarazada de Fargo con el porte de los personajes clásicos de un Gary Cooper de los que se declara heredero -"no puedes evitar compararte con los viejos tiempos" declara en un momento. También Brolin, que se mueve por la película con la misma falta de consciencia que Bardem, está estupendo en un personaje que se sacrifica por intentar darle a su mujer una vida mejor que la del parque de caravanas en el que viven. Y, aunque su aparición es poco menos que incidental, siempre hay que destacar a Kelly Macdonald, una de esas pequeñas grandes actrices que llenan la pantalla.


Yo me sigo quedando con Juno y La escafandra y la mariposa como favoritas de lo que va de temporada, pero es indudable que los Coen han hecho un trabajo enorme que, como decía Scott Foundas en el "Village Voice" debería ser objeto de estudio en lo que a la narración se refiere. Esta noche veremos si la Academia piensa lo mismo.

ROAD TO THE OSCARS (36): Premios Razzies 2007



Más ácidos y con galas casi tan graciosas como las de los Spirit Awards -inolvidable el momento de Halle Berry, que le echó un par y fue a recoger su premio- tenemos también un día antes de los Oscars los Razzies a lo peor del año. No se merecen un comentario más amplio, pero sí que cabría destacar de esta edición que I know who killed me ha batido el récord de premios hasta la fecha con 8, lo que compite en absurdo con que Eddie Murphy se haya llevado todos los premios de actuación salvo el principal femenino. Ver para creer:

PREMIOS GOLDEN RASPBERRY (RAZZIES) 2007

Peor Película
"I Know Who Killed Me"

Peor Director
Chris Siverston, por "I Know Who Killed Me"

Peor Actor
Eddie Murphy, por "Norbit"

Peor Actriz
Lindsay Lohan ('como Aubrey'), por "I Know Who Killed Me" y Lindsay Lohan ('como Dakota'), por "I Know Who Killed Me" (ex aequo)

Peor Actor de Reparto
Eddie Murphy, por "Norbit"

Peor Actriz de Reparto
Eddie Murphy, por "Norbit"

Peor Pareja
Lindsay Lohan & Lindsay Lohan ('como el yang para su propio ying'), por "I Know Who Killed Me"

Peor Remake o Refrito
"I Know Who Killed Me"

Peor Precuela o Secuela
"Papá Canguro 2"

Peor Guión
"I Know Who Killed Me", escrito por Jeffrey Hammond

Peor Excusa para una Película de Terror
"I Know Who Killed Me"

ROAD TO THE OSCARS (35): Independent Spirit Awards 2008



Esto sí que son premios y lo demás son tonterías. No sólo se celebran en una fiesta playera que se ha hecho famosa porque alguna vez han llegado los premiados en moto o porque John Waters ha montado uno de sus shows, sino que se conceden a todos aquellos que realmente se merecen un premio. De hecho, este año el palmarés ha sido de los más merecidos y más equilibrados de los últimos años.


La triunfadora, si se la puede llamar así, ha sido, cómo no, una de las películas del año, Juno, que se ha llevado el premio gordo de la noche y los obvios para su guión y para el monstruo de Ellen Page. La gran revelación, La escafandra y la mariposa ha conseguido por su parte dos de los premios a los que también está nominado para los Oscars, el de dirección de fotografía, para el que partirá como una de las favoritas, y el muy merecido de dirección. Otros dos se ha llevado también la otra comedia de la temporada, The Savages, uno para su protagonista, Philip Seymour Hoffman, y el otro para su guión, también nominado a los Oscars. Cerrando el palmarés importante también se ha llevado otros dos lo nuevo de Todd Haynes, I'm not there, el Robert Altman al conjunto del reparto y el de la también favorita para el Oscar, Cate Blanchett. Y last-but-not-least destacar el premio a la mejor película extranjera para esa pequeña joya que es Once y que, con un poco de suerte, también mojará en los Oscars, aunque sólo sea por esa maravilla de canción que es Falling slowly.


INDEPENDENT SPIRIT AWARDS 2008

Mejor Película
"Juno", dirigida por Jason Reitman

Mejor Primera Película
"The Lookout", dirigida por Scott Frank

Premio John Cassavetes
(Otorgado a la mejor película realizada con menos de $500,000)
"August Evening", dirigida por Chris Eska

Mejor Director
Julian Schnabel, por "La Escafandra y la Mariposa"

Mejor Guión
"The Savages”, escrito por Tamara Jenkins

Mejor Primer Guión
"Juno", escrito por Diablo Cody

Mejor Actuación Principal Femenina
Ellen Page, por "Juno"

Mejor Actuación Principal Masculina
Philip Seymour Hoffman, por "The Savages"

Mejor Actuación de Reparto Femenina
Cate Blanchett, por "I'm Not There"

Mejor Actuación de Reparto Masculina
Chiwetel Ejiofor, por "Talk To Me"

Mejor Dirección de Fotografía
Janusz Kaminski, por "La Escafandra y la Mariposa"

Mejor Documental
"Crazy Love", dirigida por Dan Klores

Mejor Película Extranjera
"Once" (Irlanda), de John Carney

Premio Robert Altman
I'm Not There
Director: Todd Haynes
Directora de Casting: Laura Rosenthal
Reparto: Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Ben Whishaw, Marcus Carl Franklin, Charlotte Gainsbourg, Bruce Greenwood

jueves, 21 de febrero de 2008

ROAD TO THE OSCARS (34): ¿El Diablo vestirá de Prada?



No me pude resistir a la broma evidente, pero es que hay que presentarla. Teniendo en cuenta que será sin duda una de las que baje esas largas escaleras para recoger la estatuilla qué menos que dedicarle unos segundos a Diablo Cody, la guionista de Juno:


Su vida es de guión de cine, con lo que no extraña la profesión. Original de Chicago se mudó a un suburbio de Minnesota para vivir ni más ni menos que con su novio Jonny Hunt al que sólo conocía por internet y que contaba ya con una hija. Ante la ausencia de perspectivas decidió que el 'striptease' podría ser un buen negocio pese a que apenas sabía ni bailar. Mientras por la noche hacía la barra, por el día trabajaba en una agencia de publicidad en la que se ganó los odios de toda la oficina por sus costumbres dignas de un secundario de The office. Cuando inesperadamente consiguió un ascenso en la empresa huyó de una vida ordenada que no cuadraba con sus costumbres para dedicarse al 'striptease' en pleno. En sus ratos libres comenzó a escribir sus experiencias cual Bridget Jones del 'underground' en el libro Candy Girl: A year in the life of an unlikely stripper y amplió el campo a la telefonía erótica. Poco tiempo después se cansó de la "vida sexual" y decidió casarse con Jonny y mudarse a un barrio "en el que uno sólo se desnudase para meterse en la bañera". La hija de Jonny fue la niña de las flores. Por entonces creó un blog al que, por casualidad, se hizo aficionado un productor de Hollywood. Y el resto es historia. A día de hoy viven los 3 en Minneapolis con sus dos gatos, Ernie y Douchepacker.

Con estos antecedentes uno se hace una idea más completa de por dónde va Juno. Así que, volvemos a la pregunta inicial, ¿vestirá de Prada esta mujer de ojos inteligentes y tatuajes carcelarios para recoger su más que potencial Oscar?

P.D. No me podía marchar sin poner esta foto. Miss Cody, Olivia Thirlby y J.K. Simmons XD :

martes, 19 de febrero de 2008

ROAD TO THE OSCARS (33): Apuestas Oscars 2007



Una semana antes del evento llegó la hora de mojarse un poquito y hacer apuestas. Este año las categorías del pleno al 15 van a ser, sin lugar a dudas, las de actriz de reparto y la de fotografía que, como mínimo, cuentan con 4 candidatos en igualdad de condiciones. Así que con esa salvedad y teniendo en cuenta lo que han ido diciendo los sindicatos esta es mi selección o, mejor dicho, lo que creo que elegirá la Academia:


APUESTAS OSCARS 2007

Mejor Película

• "Expiación"
• "Juno"
• "Michael Clayton"
• "No Country for Old Men"
• "There Will Be Blood"

Mejor Director

• Paul Thomas Anderson, por "There Will Be Blood"
• Joel & Ethan Coen, por "No Country for Old Men"
• Tony Gilroy, por "Michael Clayton"
• Jason Reitman, por "Juno"
• Julian Schnabel, por "La Escafandra y la Mariposa"

Mejor Actuación Principal Masculina

• George Clooney, por "Michael Clayton"
• Daniel Day-Lewis, por "There Will Be Blood"
• Johnny Depp, por "Sweeney Todd"
• Tommy Lee Jones, por "En el Valle de Elah"
• Viggo Mortensen, por "Promesas del Este"

Mejor Actuación Principal Femenina

• Cate Blanchett, por "Elizabeth: La Edad de Oro"
• Julie Christie, por "Away from Her"
• Marion Cotillard, por "La Vie en Rose"
• Laura Linney, por "The Savages"
• Ellen Page, por "Juno"

Mejor Actuación de Reparto Masculina

• Casey Affleck, por "El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford"
• Javier Bardem, por "No Country for Old Men"
• Philip Seymour Hoffman, por "La Guerra de Charlie Wilson"
• Hal Holbrook, por "Into the Wild"
• Tom Wilkinson, por "Michael Clayton"

Mejor Actuación de Reparto Femenina

• Cate Blanchett, por "I'm Not There"
• Ruby Dee, por "American Gangster"
• Saoirse Ronan, por "Expiación"
• Amy Ryan, por "Gone Baby Gone"
• Tilda Swinton, por "Michael Clayton"

Mejor Guión Original

• "Juno", escrito por Diablo Cody
• "Lars and the Real Girl", escrito por Nancy Oliver
• "Michael Clayton", escrito por Tony Gilroy
• "Ratatouille", escrito por Brad Bird, Jim Capobianco y Jan Pinkava
• "The Savages", escrito por Tamara Jenkins

Mejor Guión Adaptado

• "Away From Her", escrito por Sarah Polley
• "La Escafandra y la Mariposa", escrito por Ronald Harwood
• "Expiación", escrito por Christopher Hampton
• "No Country for Old Men", escrito por Joel & Ethan Coen
• "There Will Be Blood", escrito por Paul Thomas Anderson

Mejor Película en Lengua No Inglesa

• "12" (Rusia)
• "Beaufort" (Israel)
• "Los Falsificadores" (Austria)
• "Katyn" (Polonia)
• "Mongol" (Kazakhstan)

Mejor Película de Animación

• "Locos por el Surf"
• "Persepolis"
• "Ratatouille"

Mejor Banda Sonora Original

• "3:10 to Yuma", compuesta por Marco Beltrami
• "Cometas en el Cielo", compuesta por Alberto Iglesias
• "Expiación", compuesta por Dario Marianelli
• "Michael Clayton", compuesta por James Newton Howard
• "Ratatouille", compuesta por Michael Giacchino

Mejor Canción

• "Falling Slowly" (Glen Hansard/Markéta Irglová), de "Once"
• "Happy Working Song" (Alan Menken/Stephen Schwartz), de "Encantada"
• "Raise It Up" (), de "August Rush"
• "So Close" (Alan Menken/Stephen Schwartz), de "Encantada"
• "That's How You Know" (Alan Menken/Stephen Schwartz), de "Encantada"

Mejor Dirección de Fotografía

• "El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford", de Roger Deakins
• "La Escafandra y la Mariposa", de Janusz Kaminski
• "Expiación", de Seamus McGarvey
• "No Country For Old Men", de Roger Deakins
• "There Will Be Blood", de Robert Elswit

Mejor Montaje

• "La Escafandra y la Mariposa"
• "Into the Wild"
• "No Country For Old Men"
• "There Will Be Blood"
• "El Ultimátum de Bourne"

Mejores Efectos Visuales

• "La Brújula Dorada"
• "Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo"
• "Transformers"

Mejor Sonido

• "3:10 to Yuma"
• "No Country For Old Men"
• "Ratatouille"
• "Transformers"
• "El Ultimátum de Bourne"

Mejor Edición de Sonido

• "Transformers"
• "No Country For Old Men"
• "Ratatouille"
• "There Will Be Blood"
• "El Ultimátum de Bourne"

Mejor Dirección Artística

• "American Gangster"
• "La Brújula Dorada"
• "Expiación"
• "Sweeney Todd"
• "There Will Be Blood"

Mejor Maquillaje

• "Norbit"
• "Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo"
• "La Vie en Rose"

Mejor Diseño de Vestuario

• "Across the Universe"
• "Elizabeth: La Edad de Oro"
• "Expiación"
• "Sweeney Todd"
• "La Vie en Rose"

Mejor Documental

• "No End in Sight"
• "Operation Homecoming: Writing the Wartime Experience"
• "Sicko"
• "Taxi Hacia el Lado Oscuro"
• "War/Dance"

Mejor Corto Documental

• "Freeheld"
• "La Corona"
• "Salim Baba"
• "Sari’s Mother"

Mejor Corto de Acción Real

• "At Night"
• "Il Supplente (The Substitute)"
• "Le Mozart des Pickpockets (The Mozart of Pickpockets)"
• "Tanghi Argentini"
• "The Tonto Woman"

Mejor Corto de Animación

• "I Met the Walrus"
• "Madame Tutli-Putli"
• "Même Les Pigeons Vont au Paradis (Even Pigeons Go to Heaven)"
• "My Love (Moya Lyubov)"
• "Peter & the Wolf"

domingo, 17 de febrero de 2008

En cartelera: La escafandra y la mariposa



Pues sin una especial devoción fui hoy a ver lo último de Schnabel, La escafandra y la mariposa, y he salido pensando que es, probablemente, lo mejor que he visto en una sala de cine en algún año. Me tendría que remontar a Brokeback Mountain para encontrar algo a la altura en emotividad y a Las invasiones bárbaras para encontrar un guión tan inteligente y con tantísima ironía y fuerza dramática -de hecho, es muy curioso porque ambas películas comparten parte del reparto-.


La historia es la autobiografía de Jean-Dominique Bauby, redactor jefe de "Elle" que, tras un infarto cerebral, queda totalmente paralítico pudiéndose comunicar solamente gracias al parpadeo de su ojo izquierdo. Pero, en contraste, él es perfectamente consciente de todo y en ese punto es en el que se basa toda la película. La diferencia es que, en lugar de hacer sangre con la situación y dramatizar sobre la angustia de vivir atrapado en tu propio cuerpo (la escafandra) como si de una nueva versión de Johnny cogió su fusil se tratara, lo que hace Bauby es reflexionar con un enorme sarcasmo sobre su situación, sus gentes y sus recuerdos. La memoria y la imaginación como vía de escape, su mariposa. Ahí entra la mano de Schnabel que, como artista multidisciplinar que es, se marca un montaje narrativo que es casi una performance, una demostración de fuerza con saltos entre lo que vive y lo que piensa el protagonista que, a la sazón, ¿no viene a ser lo mismo? Todo, como buena película francesa de elevado nivel cultural, lleno de referencias al cine, la música y la cultura popular que es en algo en lo que, de nuevo, se parece a los trabajos de Denys Arcand en Canadá (ese Marlon Brando como paradigma de juventud rebelde, por poner un ejemplo). Y cómo no, no podía faltar la omnipresencia femenina. Bauby habla de las mujeres de su vida, las necesita y se recrea mirándolas que, para lo que le queda por hacer, no es algo que esté demasiado mal. Antes de verla me habría jugado el culo a que el Oscar de guión adaptado se lo llevaban los Coen, pero ahora no lo tengo yo nada claro.


En cuanto al tema visual la película es un portento. Todo lo que en Atonement eran reproches al montaje y a la utilidad de los recursos de puesta en escena son virtudes en el caso de La escafandra y la mariposa. Se nota que Schnabel es más que un director al uso y cada imagen está tratada con mimo, es como es, no debe ser de otra manera y el propio mensaje te justifica que sea así. A ello colabora el genio multioscarizado de Janusz Kaminski que este año podría añadir el tercer premio a su cuenta si es que Deakins y Elswit le dejan.


Y si detrás de la cámaras el trabajo es inmejorable, delante es simplemente genial. El que da vida a Bauby es ese actor al que pondero siempre que tengo la oportunidad, ese trasunto simpático de Roman Polanski que es Mathieu Amalric. Para los que vivimos fuera de Francia es ese tipo que sube la media de películas como Munich, pero en el cine francés es un secundario de oro y la gran esperanza blanca después de protagonizar Reyes y reina. En este caso, como decía Oti Rodríguez Marchante, está claro que se gana su sueldo, tanto interpretando con la limitación de poder mover sólo un ojo como en los pasajes en los que recrea sus memorias. Pero la galería de secundarios es un 'all-star'. El médico y el cura que apenas hacen un cameo son ni más ni menos que Patrick Chesnais y Jean-Pierre Cassel. Su colega de la redacción es ese dechado de naturalidad interpretativa y colega-muso de Jim Jarmusch que es Isaach De Bankolé. Y la galaxia femenina no se queda atrás. Su amor pasado es Marina Hands y su compañera en la salud y en la enfermedad es Emmanuelle Seigner, ambas estupendas en sus papeles. Pero si hay una mujer que brilla con luz propia esa es aquella revelación de Ararat y Las invasiones bárbaras, Marie-Josée Croze. Su sola presencia ilumina la pantalla como ilumina la propia vida de Bauby con su esfuerzo para que pueda hablar. Y dejo aparte al grande entre los grandes, Max von Sydow, que interpreta al padre de Bauby y que es monstruoso cómo se come la escena cada vez que sale.


Diría más pero creo que ha quedado suficientemente claro que no sólo estamos ante uno de los estrenos del año sino de unos cuantos y que por recurrir a la odiosa comparación es la antítesis de ese pastiche sentimentaloide que es Mar adentro. Lo que en aquella era manipulación pura y dura aquí fluye sin subrayados y sin patetismos,con una banda sonora que es una joya y una puesta en escena que no parece posible que sea tan buena. Así como ayer no recomendaba el visionado de Atonement aquí no puedo por menos que urgir a que sea así porque realmente es una gran experiencia de vida que disfrutar en una sala de cine y vale la pena descubrir que todavía hay rebelión en el Cine y que del marasmo de historias a la vieja usanza que se producen cada año pueda surgir una pequeña joya como esta.